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纪实摄影论文

发布时间：2023-12-05 17:31:46

纪实摄影杂志

随着摄影写实功能的广泛应用，摄影者把镜头对准了人类社会生活。人们发现，摄影可以用来记录现实，推动社会的进步。于是，纪实摄影应运而生。第一次提到“纪实”一词，大概在1898年。这一年，《英国摄影杂志》上刊登了一篇文章，敦促成立一个大型图片档案馆，“以尽可能完整地包罗关于……世界现状的记录”，文中声称，这样的照片“在一百年后将是最有价值的纪实照片”。但事实上，纪实摄影的出现，可以追溯到更早的年代。汤姆森、里斯、海因、阿杰、兰格、伊文思等纪实摄影先驱，为纪实摄影的发展做出了不可磨灭的贡献。一、纪实的萌芽早在1870年，英国著名的“赤贫孩子之家”的创建者巴纳多(Barnardo)博士，就开始认识到摄影的纪实功能。他将“赤贫孩子之家”的每个孩子，在到达前和离开时各拍摄一张照片，然后把照片粘贴在卡纸上，附上文字说明成套出售。这些照片，既扩大了社会影响，又为孩子们的衣食筹措了资金。几年以后，约翰?汤姆森与A?史密斯(AdolpheSmith)一道，出版了一本名为《伦敦街头生活》的书，书中刊载了汤姆森拍摄的36幅照片。这些照片，虽然有不少是经过摆布而拍摄的，但还是较为客观地反映了伦敦贫民的生活状况。另一位居住在伦敦的早期纪实摄影者，名叫保罗?马丁(PaulMartin，1864～1942)。19世纪90年代，马丁拍摄了很多伦敦街头风景，以及在海滨游乐的人们。他把小型相机隐藏在手提包里，到处寻找可以偷拍的镜头，被人们称之为“偷拍摄影家”。1895～1896年间拍摄的《夜伦敦》摄影集，是他最早的得意之作。这些照片虽然没有太大的社会意义，但和以往摆布拍摄的照片相比，显得生动多了。这时的纪实摄影，尽管还很不成熟，但摄影家们已经将镜头对准了现实生活，对社会现状进行如实的记录。

没有的的可以去美国婚纱网站看看。纪实摄影属于学院派风格。建议你去看看法国的纪实摄影大师的作品

中国摄影，中国唯一参加TIPA（TIPA 是Technical Image Press Association的缩写由12个欧洲国家和31个以上有关影像杂志社参与的专业杂志团体。TIPA Award奖项是由TIPA授予的，每年在欧洲发布的照片和影像产品为对象根据行业评选出最佳产品并授予奖项。自1991创立以来已过了16年，获得TIPA Award的产品将会获得将获奖logo插入到产品包装盒上或者还可用于宣传的特权。当用户购买了这类产品，可以表明他的品质。当tipa奖标志出现在广告，单张，或在一个产品包装，你可以肯定的是，它是值得的。、当欧洲各国政府决定，去旧大陆转化为最大的经济区在发达世界，也是摄影业的重新界定其策略。这个时代的变化，需要从照片和杂志重新思考自身的未来，TIPA决定要为我们加入拍摄的热情。自1991年以来， TIPA成员每年举行一次会议，在大会上讨论的项目，分享意见，评论，对工业创新和趋势，更多的是来访的摄影历史遗址，博物馆或工厂。在这为期三天的会议tipa编辑也无记名投票方式表决，评比出在欧洲的最佳摄影与影像产品。）的杂志

嘿嘿~~如果你可以到大书店的话直接在那看算了毕竟花20块钱买一本杂志能学到的东西是很少的看完了也不知道怎么处理以我为例以前有买但是后来发现摄影论坛也差不多而且大学的图书馆里也有杂志看但现在主要只是看器材的评测其他的越看越没味

北京纪事杂志社特约摄影记者

李湘涛1960年出生于东北吉林，中国科学院研究生院动物学专业博士。现任北京自然博物馆学术委员会主任、动物研究主任、研究员，并兼任《动物世界》杂志副主编、《人与生物圈》杂志特约（摄影）记者、中国鸟类学会理事、北京动物学会秘书长和世界自然与自然资源保护联盟、世界物种委员会、世界雉类协会专家委员会委员。主要从事野生动物生态学、濒危物种保护等方面的科学研究、动物摄影及科学普及工作，曾先后主持中国科学院、林业部、北京市和国家自然科学基金等10余项科研课题的研究工作，迄今已发表中、英文科学专着5部，科学论文20多篇，并获得中国科学院科技进步奖等奖励。同时还创作或主编科普著作10余部，撰写科普文章100多篇，主持设计北京自然博物馆动物基本陈列以及有关环保和野生动物内容的大型展览10余个。

我想，你说的这位摄影师是罗伯特·卡帕吧：）　　罗伯特·卡帕（Robert Capa）是匈牙利人,1913年生于布达佩斯,原名安德烈,卡帕是他的笔名他17岁时就立志要当摄影家,二十世纪最著名的战地摄影记者之一。在柏林大学求学后,先在柏林一家通讯社做暗房工作,后到巴黎当记者由于他的摄影作品受到一家摄影杂志社的重视,他便被委派到战地进行采访　　1936年西班牙内战,卡帕在西班牙战场拍摄了一个战士中弹将要倒下,这幅使人有身临其境之感的作品以《西班牙战士》、《战场的殉难者》、《阵亡的一瞬间》等标题发表,立刻震动了当时的摄影界,成为战争摄影的不朽之作,也成为卡帕的传世之作和卡帕一起到西班牙采访的还有他的年青女友,德藉女摄影家葛尔德o达娜他们共同奋不顾身地出没于硝烟弥漫的战场,达娜不幸死于坦克履带下悲伤的卡帕,从此永远凝视关注着战场他一生的摄影创作多取材于战争他把照相机作为揭露战争的武器卡帕说:"照相机本身并不能阻止战争,但照相机拍出的照片可以揭露战争,阻止战争的发展"　　1937年,日本军国主义发动了对中国的侵略,第二年卡帕与《西行漫记》的作者斯诺一同约定赴延安采访,但是到了西安,受到国民党的阻挠,卡帕未能成行,当时他是抗日战争中唯一能在中国战区采访的盟军战地记者他在上海等地,拍摄了许多揭露日本侵略军的罪行的新闻照片,公诸于世,后又去英国、北非、意大利进行摄影采访1944年,他随联合国部队开辟第二战场,参加了在法国北部诺曼第的登陆战,拍摄了极为精彩的报道照片　　1946年,卡帕与波兰籍的西摩和法国籍的布勒松在纽约相聚他们组成了"梅根"摄影通讯社,在巴黎和纽约设办事机构后来陆续加入一些其它著名摄影家,如美国的罗嘉,瑞士的比索夫等在"梅根社"成立后的三十年中西方世界任何一个角落发生大事,都有他们的摄影记者在场他们以忘我的热情,甚至不惜以鲜血和生命深入到第一线去拍摄,为新闻摄影的形式和内容树立了新的典范　　1954年,卡帕不顾亲友的劝阻,悄悄来到越南战场他用照相机反映了《越南的悲剧》(卡帕的最后一幅作品题名),不幸误踏地雷身亡,时年四十一岁　　1954年6月25日,美国各晚报都登出卡帕的死讯第二天《每日新闻》用大标题报道"关于卡帕之死",纽约各地电视台,电台和时报也以极大篇幅刊登报道,一致赞扬他是一个最勇敢的战地摄影家为了纪念他,世界上曾举办十三次卡帕个人作品展览,许多有世界影响的摄影书刊都介绍过他卡帕的作品在美国,英国，法国出版过专集1955年美国《生活》杂志和"海外记者俱乐部"设立了"罗伯特o卡帕金质奖",用以鼓励在新闻摄影上有成就的摄影记者1966年,美国成立了"关心人的摄影基金会",以纪念卡帕及其它梅根社牺牲了的摄影家们。　　“我憎恨战争”　　1936年,法西斯主义在许多国家相继抬头西班牙佛朗哥发动内战与当时许多著名人士一样,卡帕参加了人民战线的情报部战争是艰苦的, 一天, 卡帕正在第一线的战壕一名战士跳出战壕,准备向敌人发起冲击, 突然,他的身体停住了,子弹击中了他的头部卡帕面对这突如其来的事情条件反射的按下了快门这是在一瞬间发生的,悲剧英雄色彩的照片因这张发表在生活杂志上的照片,卡帕扬名天下但卡帕憎恨战争,他决心终生将战争作为他采访的题材不是为了追求刺激,而是为了揭露战争的残酷　　1943年春卡帕来到非洲的阿尔及尔,拍摄沙漠,枪炮,死尸 1944年6月6日他参加了诺曼底登陆计划以后他又拍摄到巴黎,柏林一个正在用机枪设计的年轻班长,站了起来,象是要确认自己是否能成为照片的主角他看了卡帕一眼,无言的倒下了鲜血从两眼之间涌了出来死亡与生存间就是这么简单　　二战之后,他接着拍摄战争和废墟,和废墟上的人们当他在印度支那拍摄的时候, 踩响了地雷越南,终年41岁卡帕的名言: 如果你拍得不够好,是因为你靠的不够近　　“用生命赌影像”　　“如果你的照片拍得不够好，那是因为离炮火不够近。”，“ 创造自己的人：‘我认为战地记者比起军人来看，能获得较多的酒、较多的女人，较好的收入以及较大的自由，然而就这场游戏而言：拥有选择立场的自由且被准许做个不受制裁的懦夫，却能叫一个战地记者备受折磨。战地记者的赔本：生命，是操在自己手中的。他可以拥在选定的注上，也可以在最后一分钟把它收回口袋里。’”。　　罗伯·卡帕（Robert Capa， 1913－1954）比谁都有资格代表战地记者发言，表白出用生命换取影像的心境和代价。他是有史以来最有名的战地记者，他的摄影生涯就如同赌命一样，在二次世界大战期间的各个战区——西班牙内战、日本侵华、北亚战争、意大利战争、诺曼第登陆战、法国解放战—…·的枪林弹雨中，用血肉之躯去换取莱卡相机里的一格格底片。他从来就没有将赌注在最后一分钟从牌桌上抽回，一直抱着不输即赢，孤注一掷的豪情与认命，等着轮盘上的珠子落停在那一个号码上。卡帕赢得了迄今依旧无人超越的战争照片，然而却在一九五四年五月二十五日的一场小得不能再小的锗局里，赔上生命——误踩地雷，被炸得尸骨不存。罗伯·卡帕这位出生入死的影像兵士，永远烙在人们的心灵上，他的照片已成为人类和战争的象征，他一生痛恨战争，想借影像来唤醒人们的良知，不再彼此杀戮。他的死就是为人类提出的最后谏言。看卡的照片仿佛可以听到子弹疾飞、炮弹隆隆的声响，每一帧都是人类愚蠢行为的明证。　　用生命赌影像《我——安德烈·弗列德曼》（Andr6 Friedmann）是一篇自叙体的散文，作者不是别人，正是卡帕老兄。弗列德曼怎么变成卡帕的经过，倒是摄影史上绝妙透项的趣闻。出生于匈牙利布达佩斯的弗列德曼，在中学时对政治极感兴趣，曾有意加入共产党，在一次入党的秘密会面时，他将赌注在最后一分钟收回口袋，转身走了，没想到第二天就被政府当局盯哨跟踪，而家人也跟着被盘问，弗列德曼不得不立刻偷渡出国，前往德国求学，从此永远和故乡亲人告别，那年他才不过是十八岁而已（1931）。弗列德曼到了柏林，半工半读，在照相馆里做师傅的助手，就这样和摄影结了缘，三年后他到巴黎闯天下，并且制造出一位世界最著名的莫须有摄影家——罗伯·卡帕。满脑子鬼主意的弗列德曼和西班牙籍的女友姬达·塔罗（Gerda Talc后来成为卡帕的太太）在巴黎租了间办公室，号称是美国一位年轻富有的影像好手——罗伯·卡帕的经纪代理公司。弗列德曼负责制造照片，塔罗则用她长袖善舞的手段推销出去，说是由于这位“卡帕”先生富有得不得了，不屑用照片糊口，因此每张照片非要一百五十法郎不可，否则免谈，爱买不买悉听尊便。这个价码三倍于当时最高的行情，然而硬是让塔罗给—一推销出去了。几个月后，市面形成了一股“卡帕热”，欧洲重要报刊都争相索取这位只闻其名不见其人的“大摄影家”的照片。另外，塔罗对美国新闻机构耍了同样手腕，号称“卡帕”是巴黎年轻富有的影像高手，搞进了不少钞票。当然啦，这不只是走运而已，弗列德曼高人一等的摄影动力才是成功的主因。不过，这个终于被《考察》（Vu）杂志的图片主编程克（M Lader Vogel）拆穿了。日内瓦有个国际会议发生了暴动事件，所有的记者都被瑞士警察粗鲁地赶走，唯独弗列德曼混了进去，拍到了独家特写镜头。说巧不巧，这一幕情景被在旁的提克看得一清二楚。三天后，那些照片被送到通克的办公桌上，他拨了个电话给“卡帕”的经纪人，塔罗这么回话： “卡帕先生的这批独家照片，一张要三百法郎。” 握充回答： “有关卡帕的事倒是挺鲜的，不过，请你转告那位穿着脏皮夹克，到处乱拍照的荒唐小手弗列德曼，明天早上九点到我的办公室报到。” 就这样，安德烈·弗列德曼不得不以罗伯·卡帕正式亮相。而今天大家几乎都忘掉卡帕的本名。　　香槟·赌马·马格兰　　卡帕现形之后更加走红，加上世界各地的战事逐渐升高，他就开始终年在外奔波，和枪弹比快地猛按快门。一九三六年首度造访美国；一九三八年到日本与中国大陆；一九三九年到欧洲并再赴美；一九四一到四五年就开始专门为《生活》杂志在欧洲各战区拍照。这些作品都是连底片都还没冲洗，就随军机空运回美，而由别人放大。卡帕往往要在数个月甚至一年之后才会看到自己的品，他整天在战壕里，根本无法想象自己的名气已响遍全球。卡帕几乎变成战地记者的代名词了。除了以战争摄影影响了无数后进之外，卡帕在摄影史上最大的建树，就是创办了有史以来最具影响力的摄影组织——马格兰（MAGNUM）。一九四七年，卡帕把几位同好——布列松、大卫·西摩（David Seymour），乔治·罗杰（George Rodger）拉在一块儿，打算成立一个代理公司，专门负责发行乱世影像的照片。正当他们为公司名称大费周章时，卡帕灵机一动，取了个香按酒名——“马格兰”。“马格兰”是一种两夸脱装的大桶香摈酒，为好友们庆祝生还的聚会上经常喝的，这一点也正反映了卡帕的诙谐性格和乐天知命的人生观。卡帕直到去世为止，一直是“马格兰”的领导人物，没有他，这个团体就不可能到今天还存在，成为世界所有报导摄影顶尖高手的云集地。在草创时期，卡帕经常得靠赌马来周转员工和同仁的薪水，布列松就常因自己的酬劳被卡帕挪用去当赔本，和他大吵一番。不过大家都知道卡帕是为了整个团体的存亡而赌，也就不太在意了。卡帕几乎没有为摄影艺术发表过什么创作观，文采甚高的他，在战壕里仍保持写札记的习惯，不过都是一些当时的记事，和自己对人生、命运、战争、友谊、感情等的文字，他最出名的一句摄影名言就是： “如果你的照片拍的不够好，那是因为离炮火不够近。” 他的照片让人不觉得技巧的重要性，而是显露出一段用生命才能换取的勇气，这种大勇的精神使他的照片被任何派别的人都奉为经典，没有人会批评他表现得够不够精致、传达得够不够有力、裁切得够不够紧凑、快门机会够不够恰到好处、调子够不够丰富。他最出名的照片《中弹了》，品质相当差，而另一帧《诺曼第登陆》甚至是模糊不清，焦距、光圈、快门在他的照片里都是无用的名词，他是用生命在拍照，而不是用机器，因此卡帕是被一般人称作“伟人”的唯一摄影家。　　伟大心灵的见证很少人讨论卡帕的作品，却很多不用讨论，光看就够。本文也不免俗家对他的评词，来为卡帕的人格作证谈论卡帕的人格，因为他的照片直接引叙当代文学家、诗人、摄影。海明威（E．Heminyway）：“卡帕，他是一位好友，一位伟大及非常勇敢的摄影家，对所有的人来说，不怕一万只怕万一，而碰到了‘万一’都是霉运，而对卡帕更是倒霉，他是活生生的，想着他死了的这天，又长又难过。” 史坦贝克（J．Steinbeck） “对摄影我全然不懂，关于我必须谈的卡帕，纯粹是从一个门外汉的观。走来看，专家们得容忍我了。对我来说，卡帕的确是摒除一切疑虑地证明了相机不必是个冷冰冰的机器，像笔一样，用它的人有多好，它就有多好，它可以成为头脑和灵魂的展现。卡帕知道自己在寻找什么，并且当他找到之后知道如何处理。举例来说：战争无法被拍摄是因为它大致来讲是种‘激情’，可是他的确在战争当中拍到了“激情”，他能在一个孩童的脸孔上显示整个民族的优他的作品本身就是一张伟大心灵及不胜悲焾的照片，无人能取代他的位置，我们幸运地拥有他照片里人类的品质。” 阿拉贡（L． Aragon） “这位年轻人，充满了勇气和消耗不尽的精力，那）L有战争，那儿就有他。他奔驰于乱世各地，就好像觉得有份使命感，要永远用他的相机去捕捉生与死的一线之隔。在我们这个分裂血腥的年代里，人类成为不外事件的牺牲品，他是这类故事的一个现身说法。欧文·肖（I·Shaw） “他活着像最好的士兵一样，遵守最严厉的军法，他总是驶向枪声。在罗伯·卡帕的时光里，枪声总是风景里永远的特征。” 史秦钦（E·SteiChen） “罗伯·卡帕了解并憎恨战争，在他生动、真实的照片中，如同哥雅（Gova）的名画《战争的灾难》一样，渲泄出人类诚挚而强烈的真情，他纪录了战争的恐怖和荒诞的愚蠢。”　　卡帕一向以走运出名，同行的其他记者给了他一个浑号“走运·卡帕”，在他死亡那天，他的葬身之地（Thai Binn）正是战火初熄的时刻，几位记者一同走出战壕在外面散步，背着相机的卡帕说他要到附近走一走，看有没有什么可拍的。不久，这些记者朋友听到自卡帕走去的方向可预见力量所造成意传来爆炸声，大家不由自主的这么说着： “他妈的，又让走运·卡帕抢到好镜头了。” 结果是地雷格走了卡帕的生命！自此，世界又失去了一位伟人安德烈·弗列德曼。　　【语录】　　“如果你的照片拍的不够好，那是因为你靠的不够近。”　　“光有才华是不够的，你还得是个匈牙利人。”　　“真相是最好的照片，最好的宣传。”　　“这场战争（指二战）就像个正在变老的女演员，越来越不上相了，也越来越危险。”　　【相关书籍】　　《失焦--卡帕战地摄影手记》（Slightly Out of Focus，1947），广西师范大学出版社（2005年3月） ISBN 7563351868

斯坦利·库布里克职业：摄影、导演、制片人、编剧生于：1928/7/26 死于：1999/3/7 出生地：布朗克斯，纽约教育程度：纽约布朗克斯塔夫特高中1928年7月26日，斯坦利库布里克（Stanley Kubrick）生于美国纽约市的布朗克斯区，祖上是来自奥匈帝国的犹太移民，父亲是内科医师。 1941 年库布里克13岁，父亲送给他一架照相机，他从此对摄影产生兴趣。1946 年进入《展望》杂志社担任新闻摄影记者，使他有机会走遍美国，库布里克工作十分出色。但后来被解雇。1950 年以3800美元的个人积蓄，自编自导并担任摄影拍摄了一部短纪录片《拳赛之日》（Days of the Fight ），记录了拳击手沃尔特卡蒂埃参加比赛的经过，完成后以4 000美元卖给了雷电华电影公司。同年辞去《展望》杂志社的工作，在哥伦比亚大学旁听，潜心研究文学著作，并在现代艺术博物馆细心观摩经典影片，努力提高电影艺术素养。1951年拍摄9分钟长的纪录片《飞着的随军牧师》（Flying Padre），身兼编导、摄影、剪辑和解说，完成后仍卖给雷电华公司。 1953年《恐惧和欲望》（Fear and Desire）是库布里克的第一部故事片。为拍此片，他自己筹资4万美元（部分资金是向好朋友借的），亲自担任制片、编剧和导演。影片完成于1954年，赢得批评家的赞扬，但由于库布里克认为此片只是一部实习作品，完成之后40年间没有公开发行，仅私下放映过，以致他多次试图将此片的拷贝销毁。同年还拍摄了纪录片《水手》（Seafarers）。 1955年《杀手之吻》（Killer\'s Kiss）是一部在纽约街头拍摄的悬念犯罪片，开创了一种近乎纪实风格的现实主义。此片亦由库布里克自己投资和制片，并自任编导。《恐惧和欲望》和《凶手之吻》是他的两部早期试验之作，借用了抽象主义绘画和超现实主义文学的表现手法，为奠定他的电影风格打下了基础。1956 年《杀戮》（The Killing）由库布里克与年轻富有的独立制片人詹姆斯哈里斯共同建立的哈里斯-库布里克制片公司投资拍摄的第一部大型故事片，库布里克集制片、编剧和导演于一身，此片完成后由联美电影公司发行。库布里克在导演两部早期影片时获得的经验在创作这部影片中得到成功运用，与《杀手之吻》一样，《杀戮》也是一部犯罪悬念片，出色运用了闪切手法，从几个不同人物的视角表现了一桩赛马场抢劫案。这部影片得到评论家们的赞赏，库布里克被认为是"一个前途无量的青年电影导演"。1957年《光荣之路》（Paths of Glory）是库布里克的成名作，奠定了他在二战结束新一代电影导演的地位。此片系根据喔莱科布尔的小说亲自改编，描写了第一次世界大战期间在法国军队中发生的一个偶然事件：三个士兵被迫接受他们的长官强加给他们的一项根本不可能完成的军事使命，最后被处决，成了愚蠢和腐败的军官们的替罪羊。但是在最后的时候德国的被俘少女却使这些人的良知觉醒。这部影片使库布里克第一次有机会指导像柯克道格拉斯和阿道夫梅耶这样一些著名演员，库布里克证明自己能够胜任这一挑战，他使每一个演员都能异常充分地刻画人物性格。这部在德国拍摄的影片以其诚挚、有力和风格上的独创性而引人注目。（黑白，87 分钟，主演：柯克道格拉斯饰戴克斯上校，拉尔夫米克尔饰上尉）。 1960 年《斯巴达克斯》（Spartacus，又译《风云群英会》）一片的原任导演安东尼曼在影片开拍之后不久被解除职务，库布里克受柯克道格拉斯的邀请接任该片的导演工作。这部由柯克道格拉斯和劳伦斯奥立佛主演的影片从一开始就困难重重（道格拉斯还担任制片），库布里克虽然接受了这个任务，但无权全面控制影片的制作过程，也无权按照自己的意图剪辑影片，对完成片很不满意。虽然此片在1960年第23届奥斯卡奖角逐中一举获得了最佳男配角、最佳摄影、最佳艺术指导、最佳服装设计4项金像奖，以及同年金球奖的最佳剧情片奖，但库布里克一直不承认这部影片是他的作品。由于在拍摄此片过程中受到很多限制，库布里克意识到以后拍片绝对不能放弃制片人的职位。（美国联合国际影片公司、英国兰克影片公司联合出品，彩色宽银幕，139分钟，编剧：达尔顿梅蒂，主演：柯克道格拉斯饰斯巴达克斯，劳伦斯奥立佛饰克拉苏）。 1961 年库布里克移居英国，居住在伦敦鲍尔哈姆森林区，1968年以后从未回过美国，但仍保留美国国籍（另外一个说法是他于1974年移居英国）。库布里克离开美国的部分原因与好莱坞在创作上对导演的限制有关。库布里克移居英国后深居简出，私生活方面完全对外封闭。人们只知道他爱好下棋、照相和看电影，特别害怕坐飞机旅行，尽管他拥有150小时的飞行纪录和飞机驾驶执照，外出时的行车速度绝不超过30公里。库布里克的婚姻状况如下：1947年与托芭麦茨结婚，1952年离婚；同年与舞蹈演员露丝索伯特结婚，生一女；1958年与索伯特卡离婚后跟女演员克里斯蒂娜哈兰结婚，生两女。 1962 年《洛莉塔》（Lolita）系根据弗拉基米尔纳博科夫的小说亲自改编，库布里克亲自担任编剧，如同拍摄《斯巴达克斯》时那样，库布里克也未能实现全面控制影片创作的愿望，结果严重地损害了影片的艺术质量。由于60年代中期占统治地位的道德气候不能容忍小说的色情内容，库布里克不得不以截然不同于今天的方式来改编这部作品，他对这部作品深表不满。（黑白，153分钟，主演：詹姆斯梅松饰汉伯特汉伯特，苏莱英饰洛莉塔哈兹克）。 1963年《奇爱博士》（D Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb）是根据彼得乔治的小说《紧急警报》改编的关于原子灾难的一出梦魇喜剧（影片全名为《奇爱博士或我是怎样学会不再担心并爱上炸弹的》），描写了一场由于人类社会的根本缺陷而引起的毁灭性灾难，对人类制造恐怖的技术力量和可能性进行了无情嘲讽。该片使他获得奥斯卡最佳导演和编剧（与人合作）两项提名，获1964 年英国影视艺术学院最佳影片、最佳英国片和联合国奖三项奖，纽约影评协会最佳导演奖。本片与后来拍摄的《2001年：遨游太空》和《发条橘子》被称为库布里克的"未来三部曲"，这三部影片是为库布里克带来巨大荣誉的最重要作品。（英国霍克影片有限公司出品，黑白片，93分钟，编剧：斯坦利库布里克、彼得乔治、特雷萨瑟恩，主演：彼得塞勒斯〈饰奇爱博士／美国总统／曼德里克〉，乔治斯科特〈饰巴克特吉德桑将军／苏联总理〉 1968 年《2001年：太空奥德塞》（2001: A Space Odyssey）根据阿瑟克拉克的短篇小说《哨兵》改编，被称为"神话纪实片"，对人类在广袤宇宙中的漫游进行了富有诗意的预言和探索，同时对能够发展科学技术却对自己的本能和本性无计可施的人类进行了无情讽刺，导演也不无忧虑地表现了由于计算机统治世界而引起的恐惧。这部制作精美、气势磅礴的科幻片对当代科幻电影产生了非常重要影响，在多次专家评选中与《战舰波将金号》等被并称为百年影史上的十大经典。获最佳美术指导、最佳导演、最佳编剧等4项奥斯卡奖提名，获最佳视觉效果奖，获1968年英国电影学院最佳摄影、最佳音响、最佳美工奖。（美国华纳影片公司与英国霍克影片公司联合摄制，彩色宽银幕，160分钟，1972年重新发行时为141分钟，编剧：斯坦利库布里克、阿瑟克拉克，主演：基尔杜利饰戴维鲍曼，加里洛克伍德饰弗兰克普尔） 1972 年《发条橘子》（A Clockwork Orange）根据安东尼伯吉斯的同名小说改编，是科幻电影史上第一部关于人类精神领域的科幻片，通过主人公从一个无恶不作的暴徒变成白痴而成为社会道德的牺牲品的遭遇，对社会道德进行了猛烈抨击和无情嘲弄，形象化地预演了暴力肆虐、毒品横行、以崩克文化为标志的世纪末人类社会景象，此片引起了广泛争议。获奥斯卡最佳摄影、最佳导演、最佳编剧和最佳剪辑4项提名，获纽约影评协会最佳影片、最佳导演奖。（英国北极星影片公司出品，彩色，136分钟，编剧：斯坦利库布里克，主演：马尔科姆麦克道尔饰阿历克斯，帕特里克马吉饰亚历山大） 1975 年《巴里林登》（Barry Lyndon，又译《乱世儿女》）系根据英国19世纪著名作家威廉马克佩斯萨克雷的小说《巴里林登的回忆》改编的史诗巨片，讲述18世纪一个年轻爱尔兰人命运升降沉浮的故事。导演如同绘画那样进行镜头设计，完美再现了18 世纪爱尔兰的风土人情与原作的叙事风格。获1975年第48届奥斯卡最佳影片、剧本改编等6项提名，最后获得最佳摄影、最佳美工、最佳服装、最佳音乐4项奖，并获1975年英国电影学院最佳导演和最佳摄影奖。（英国霍克／佩里格林影片公司出品，彩色，187分钟，编剧：斯坦利库布里克，主要演员：瑞安奥尼尔饰巴里林登，马里萨贝伦森饰林登夫人，帕特里克马吉饰巴利巴里骑士，哈代克鲁格饰波茨多夫上尉） 1980 年《闪灵》（Shinning，又译《幻觉》或《幽光》）的拍摄历时三年、耗资两千万元，是一部与众不同的恐怖片，改编自美国恐怖小说家斯蒂芬金的同名小说，描写了一位作家因不堪忍受长期与外界隔绝之苦而导致精神错乱，疯狂追杀妻子和儿子，最后冻死在旅馆里。影评家认为这部影片在恐怖片中是一部"具有独创性的作品"，"超越了鬼怪片的格局，进而探索到人的灵魂深处以及人性和家庭的危机"。库布里克以自己独特的电影语言，给影片制造了阴森可怖的气氛，充分表现了"物道人狂"、"魔由心生"的恐怖主题。由于库布里克与评论界交恶，此片在评论界没有引起应有的反响。（英国蒙克影片公司出品，编剧：斯坦利库布里克，主演：杰克尼克尔森饰杰克托兰斯，丹尼洛伊德饰丹尼托兰斯，斯坎特曼饰迪克哈罗恩） 1987 年《全金属外壳》（Full Metal Jacket，港译《烈血焚城》）系根据古斯塔夫哈斯福特小说《短期服役》改编，华纳公司专门为他组织了一个专门小组，负责世界各地的宣传事宜。影片采用全纪实手法，描写了新兵入伍受训到上越南战场的过程，这是库布里克继拍摄《光荣之路》之后拍摄的又一反战片，被誉为"有史以来最佳的越战电影 "。影片公映后引起观众强烈反响，评论界对此反应冷淡。本片在1989年第8届香港电影金像奖评选中被评为十大外语片之一，在1988年的奥斯卡奖评选中除获得最佳原著改编一项提名外未获任何奖。（美国华纳影片公司出品，编剧：斯坦利库布里克，主演：马修莫丁饰"白搭"，文森特多诺弗里奥饰"傻子派尔"，阿利斯霍华德饰"牛仔"，李恩米饰哈特曼）1997 年《紧闭双目》（Eyes Wide Shut）的拍摄工作开始于1997年秋天，是根据布里安阿尔迪斯发表于1969年的短篇小说《风靡整整一夏天的玩具》改编的科幻片，讲述了一名在机器人研制公司工作的职员，将一个名叫大卫的机器人小孩带回家里，以便让他陪伴自己的妻子。爱尔兰小说家鲍勃肖、英国科幻作家伊安沃特逊、奥地利作家弗里德里克拉菲尔都先后参加了改编工作。该选题早在1993年就已选定，由于库布里克对剧本的改编一直不满意等原因，直拖到1997年秋才开始拍摄，此片从选材到拍摄完成历时十余年，这种情况与库布里克的-贯作风相-致。《紧闭双目》本来定在1998年圣诞节发行，后又推迟到1999年初。（美国华纳兄弟影片公司出品，彩色，编剧：斯坦利库布里克等，主演：汤姆克鲁斯，尼克尔基德曼，基尼弗杰森莱伊，西德尼葆拉克） 1999年3月7日库布里克在英国去世，享年71岁。

李湘涛，1960年出生于东北吉林，1983年本科毕业于中国科技大学生物系。因为对动物学的热爱，考研究生时，他考取了中国科学院的动物学专业，从此就扎根在了这片他所热爱的领域。现在，他是北京自然博物馆动物研究室主任、学术委员会主任、研究员，北京市崇文区人大代表，并兼任《动物世界》杂志副主编和中国鸟类学会常务理事。●● “有人说，现在动物保护的春天到了。”李湘涛对此既喜又有忧。他认为，由于国家经济实力的上升以及发展观念的转变，动物保护工作得到了国家的大力重视和人力物力的支持，但是整个社会的情况依旧不容乐观。“如果是举办一个大型的体育赛事，肯定会有一大批商家愿意提供赞助，但是如果举办的是一个宣传动物保护的公益展览，那争取赞助实在是一件非常困难的事，因为后者并不能得到明显的经济效益。” 说这话的时候，李湘涛显得有些无奈却并不失望。“让人们更多地了解动物知识，从而喜欢动物、热爱动物，进而加入动物保护的行列，这是我整个工作的最终目的。”这也是激励他一直努力做下去的原因。他相信理解能改变一切，就像人与人之间一样，陌生人之间互相不认识，当然谈不上好感，但朋友、亲人、爱人之间因为彼此的相知能产生浓厚的情感。所以他相信，只要人们能够更多地了解动物，最终必然会因怜爱而生保护之意。科研和主持各类展览是李湘涛平时两大主要工作。在科研方面，李湘涛承担过的项目有，北京市自然科学基金委、国家自然科学基金委、世界雉类协会、国家林业局、北京市科学技术研究院萌芽计划和北京市跨世纪优秀人才工程等国内外研究课题，并获得了中国科学院科技进步奖和中国科学技术馆发展基金创业奖等奖励。在李湘涛的学术论文频频得到学术界认同的时候，他所主持编写的《鸟类博物馆》、《中国保护动物图鉴》等科学普及类图书也得到了大家的普遍认可。这不仅是李湘涛几十年的工作得到的回报，同时也见证了人们动物保护意识的提高。在谈到所主持的展览活动时，李湘涛更是滔滔不绝地向我们介绍起由他主持设计的一些大型展览。《动物——人类的朋友》主要是介绍动物的系统知识以及保护的方法。在陈列中主要运用丰富的色彩、多变的几何图形和大量的动物标本、实物、景观、模型等各种展品，以及虚拟技术、多媒体电脑和其他各种现代声光电技术，使整个展览更具有知识性、趣味性和可参与性，从而达到事半功倍的效果。大型展览《动物的奥秘》，一改过去沿袭动物分类模式的做法，抓住动物在形态、生理和行为等方面的特点，对它们在生存环境上所表现出的巧妙的适应，从而成功地进行生存和繁衍这个主题，通过培养观众对动物奥秘探求的浓厚兴趣，达到使广大观众提高保护动物的自觉意识的目的。除此之外，李湘涛马上要着手进行的是《动物之美》展览，通过展示非洲、北美洲和欧亚大陆等世界各地的珍稀野生动物及其生态环境，让每一个参观者能够身临其境地感受动物的神奇之美。另外还有为配合2008年奥运会设计的动物奥运会，以及每年的生肖动物展等，都在他的筹划之列。与动物打交道二十多年了，李湘涛认为，一个真正和谐的社会必然也是人与动物和谐发展的社会，维持生物的多样性同样是对人类能够长久稳定发展负责的行为。为了达到一种人与动物和谐发展的环境，李湘涛认为，动物保护应该主要从两方面入手。一是保护动物的栖息地，二是要完善相关的法律法规，严厉禁止灭绝式的滥捕滥猎。

服装摄影论文

学术堂整理了十五个服装论文的参考文献供大家参考:　　[1]张文明服饰是民族文化的重要载体[N] 云南政协报,2020-08-26(006)　　[2]孟庆关于人物摄影与服装造型的关系探讨[J]轻纺工业与技术,2020,49(08):44-　　[3]李雯白裤瑶设计元素在服装设计中的运用探究[J]轻纺工业与技术,2020,49(08):193-　　[4]杨韶斐探析民族服装设计中蕴含的文化性和审美性[J]西部皮革,2020,42(15):　　[5]吴国华湖南民族服装产业网络定制营销的现状分析与对策[J]轻纺工业与技术,2020,49(07):73-　　[6]王丽霞民族服装的传承与创新--评《创意服装设计学》[J]印染助剂,2020,37(06):　　[7]吴国华湖南民族服装规模个性定制营销模式研究[J]商场现代化,2020(11):13-　　[8]新华民族服装业中的销售问题初探--以呼和浩特蒙古族服装业为例[J]全国流通经济,2020(15):28-　　[9]郑天琪西南少数民族服装配饰功能与内涵研究[J]美与时代(上),2020(05):120-　　[10]张君浪中国民族服装品牌发展的国际化探索[J]国际纺织导报,2020,48(04):55-　　[11]新华民族服装加工业经营的调查研究--以巴林右旗为例[J]商场现代化,2020(06):16-　　[12]陈欢,卢菁菁西南少数民族服饰纹样文化探析[J]智库时代,2020(09):275-　　[13]王俊伟闽南服装文化在展示空间设计中的应用研究[J]工业设计,2020(02):146-　　[14]陈志军,蔡珍珍民族服装元素在影视服装设计中的创新研究[J]纺织报告,2020(01):72-73+　　[15]陈莉芳民族服装元素在影视服装设计中的应用[J]轻合金加工技术,2020,48(01):

新鲜的刺激 ——《搏击俱乐部 Fight Club》摄影分析《搏击俱乐部》无疑是一部具有浓重超现实色彩的影片，和David Fincher以往影片一样，关注人物心理层面的剖析，内容上表现了主人公人格上的极端分裂。导演不惜用两个演员来扮演一个人精神的不同侧面，在尾声之前，观众甚至会一直认为这是两个不同的人物，在影片的摄影造型方面，创作者就更加注重给观众的视觉冲击力，创造出独特的视觉形象。日景：漠然的，现实主义的风貌为了表现主人公G枯燥的循规蹈矩的日常生活，场景如公司、飞机客舱、咖啡厅，日景气氛中的光线反差较小，并且不刻意追求光线的变化，给人的视觉感受是比较平淡的。值得注意的是，摄影师刻意把这些场景的色彩处理成高调的视觉效果，在环境以及人物服装色彩的选择上，主要以不带色彩倾向的白色和灰色为主，整体画面的色彩偏绿色，并且模仿在荧光灯的照明下，由于灯光光谱不完整、色彩还原不佳的效果，以视觉的单调感受来表现主人公内心世界的乏味和麻木不仁。尽管摄影师希望以日景气氛的常规来衬托夜景气氛的超现实，又由于本片大部分内容是在主人公的内心独白下叙述进行的，因此在处理日景气氛时，摄影师在追求平淡无奇的造型风格之前提下，又不可避免的带上了一些表现的意味，以响应整个影片的强烈的主观色彩。举例来说，影片开始不久，G用旁白描绘他无聊透顶的日常工作，我们看到他面部表情的大特写，他的脸被办公室的荧光灯勾勒了一个侧逆光，暖黄色的光在他的脸部有规律的闪烁，一亮一灭的，看起来具有非常强烈的戏剧效果。接下来镜头反打他的主观视点，前景是一台打印机在来回摆动，光线一亮一灭，在不远处有两三个公司职员各自站在自己打印机前，脸上都被打印机的光照得一亮一灭的。这种设计使得画面各个角落都有相似的光线进行有规律的闪烁，造成了一种韵律，成为枯燥生活的催眠剂——使人麻木不仁。在这里摄影师无疑是把打印机的光效进行了夸大，利用这种明显不真实的造型感来突出这些镜头的主观性，利用光线运动的规律性，给观众传达了一种滑稽的感受。这种光线设计光源方向是真实有依据的，看起来是非常现实主义的，创作者根据这个现实生活的依据进行了夸大 ——我们知道，打印机的这种光线实际上非常微弱，在日常照明条件下，并不可能引起人物面部照明光线的变化，创作者把它夸张地作为一个戏剧性的光线元素来使用，令观众觉得亦真亦幻。夜景：不规则的，超现实主义的风格占影片很大比例的夜景气氛场景中，摄影师Jeff Cronenweth希望在影像风貌上呈现一种非常规的、超现实主义的风貌。因为夜景气氛用来表现的是搏击俱乐部的打斗场面以及G常规生活之外的场景，旨在突出主人公人性中疯狂黑暗的一面——当然也正是对于主人公来说更为精彩的生活体验。和影片色彩单调的日景气氛相比，夜景中的色彩极为丰富。众所周知，夜景气氛下通常摄影师都会采用一些类似轮廓光或者逆光的照明方式将人物与背景分开来增强画面的层次与景深感，而这部影片似乎故意要让人物与背景融在一起。这样处理所造成的视觉效果是，让观众更加注重环境中的整体的气氛，而不是让人物更加抢眼，特别是在夜景气氛当中，这种比较混沌的视觉效果，有些像是梦境般的让人分不清楚自己身在何方。影片中主要人物的人脸的亮度也非常低，一般在曝光点以下1—1/2档，这在以往的好莱坞影片中是不多见的。也许其他影片中有个别的镜头或是场景敢于这样处理，但是大段的篇幅都是如此处理的情况恐怕就更少了。观众需要仔细看才能辨别出片中大明星的神情，但是特别之处在于：尽管人物的面部亮度很低，摄影师却特别强调眼神光，因此呈现的视觉效果是在黑暗的气氛中主人公幽灵般的眼睛，这似乎是强迫观众必须通过这唯一的窗口来洞察人物的内心世界。影片中经常出现的、男主人公组织搏击俱乐部的打斗场面中，呈现出来的是一种低照度条件下的阴暗的视觉风格。 G和泰勒第一次单独打斗是在一个酒吧门口的停车场。酒吧门口挂着一个荧光灯，它成了场景中的主要照明光源，而门口的墙上还有一两盏旧式的路灯，微弱的灯光在人物后景的墙上造成一个个小的光区，点缀着背景。画面整体的效果都是低调的，我们只能通过被灯光照亮的墙壁分辨出两个主人公的身影，G西服里面的白色衬衫和泰勒亮闪闪的皮夹克让我们看清楚他们的动作，潮湿的地面反射着灯光，亮度也刚好衬托他们的身形。在搏击俱乐部初具规模后，打斗场景被转移到一个酒吧废弃的地下室，房顶都是一些横七竖八的水管子，灯光昏暗。在打斗过程中，聚集在打斗者周围的人，我们仅仅可以分辨他们的身形，并不能确切的看到他们的表情。因此他们变成了打斗场面变化着的背景，涌动着，造成视觉上的不安定和混乱感。在这样的场景中，整体呈现了一种黑暗的影调，因此画面的细节和层次都显得尤为重要。在胶片的选择上，除去影片少部分的日景场景，影片都用了KODAK公司的5279VISION500T的高感光度胶片来拍摄，以利于捕捉低照度的影像魅力，使用高感光度胶片可以在同样的照度下获得更大的景深，以此可以提高暗部细节的清晰度。观众刚好可以辨认出他们，这样的大反差画面有助于给观众视觉上以较为强烈的刺激，更好地突出搏斗中创作者希望给予观众的残酷感受。画面也注重局部反差控制，为了观众分辨出用动的人群的轮廓，摄影师又利用墙壁的亮度衬托人群，以两者之间微秒的亮度差异来使人群的轮廓清晰又不会脱离背景。《搏击俱乐部》是一部疯狂离奇的电影，虽然拍摄于七年前，但是现在看起来仍然令人吃惊和充满新鲜感的。大胆的影像更是无懈可击，它体现了好莱坞年轻一代摄影师对于影像创作上的大胆尝试，并有着以往大片里并不具备的研究和思索价值。图片链接

欧文·佩恩作为世界上最为卓越的摄影家之一，欧文·佩恩知名于富有洞察力的肖像、令人惊讶的静物以及具有广泛影响的时装作品。然而他在女性人体摄影上的地位，却少为人知。他在这一领域最为重要的照片拍摄于50多年前，当时还很年轻的摄影家选用了几位艺术家的模特儿，展示了她们不加修饰的身体，却具有强烈的张力。这一系列的拍摄都是在周末或是晚上，本质上是和流行的时装杂志上朝生暮死的表面世界相为抗衡的。比如，他所选择的女性在身体造型上是和20世纪中期主流标准相悖的：皮肤带有褶皱，身体扭曲和伸长，腹部带有多余的肉，隆起的臀部，松弛的乳房，这些肉体的躯干如同画家提香和鲁本斯画布上的姐妹，成为历史的偶像。佩恩的这些影像在被注入了强劲的物质和性感的力量之后，远离了所谓的贞洁，成为最为令人瞩目的裸体形态。这些50多年前的裸体很少为人所知，甚至这样一整个系列也不被认为是严肃的实验之作。然而如今这些画面中的五十多幅画面经过佩恩使用精美的银盐和铂金工艺制作之后，非常忠实于当年的原作，从而再一次引起了人们的关注。我们可以通过这些在画册中逐步展开的画面，感受摄影家对人体的理解过程，同时也体验到了摄影家对世俗女神的私密情感。在过去的五十多年历史中，佩恩为《时尚》杂志创造了无法抹去的辉煌。然而他那些具有实验性质的人体作品，同样也显示出作为一位专业摄影家的成熟魅力。在佩恩早期的摄影生涯中，有着四年的精彩瞬间——从1947年令人眼花缭乱的静物开始，接下来是三年不同凡响的肖像，包括被巴黎收藏的容光焕发的时尚画面，到了1950年，他已经被证明将是世界级的艺术家，年轻的艺术界未来的天才。他所拍摄的12位顶尖模特儿的群像，被认为是这一时代最为华丽的组合。其中的一位模特丽莎（上图中排左三），后来成为他的终生伴侣，留下一段让人羡慕的奇缘。1950年，他的姓名已经被写入传播史的页面，然而这一时期他也留下了少为人知的私人作品，包括前面提到的具有挑战性的人体系列。人体艺术在欧洲的传统中有着悠久的历史。面对提香以及后来的鲁本斯（上图）一直到雷诺阿的女性人体最优秀的绘画，佩恩在20世纪发起了新的挑战——当然，这时候的人体依然是重要的艺术主题之一，然而20世纪初的人体往往拘泥于形式化的观念，艺术家更多地关心其艺术构成，给人带来愉悦的感觉。佩恩的实验人体至少在表面上给我们带来了肉体的愉悦感，在本质上却以不可思议的方式和从未有过的严肃态度，成为当代艺术最优秀的典范。佩恩的人体并非是我们传统记忆中收藏的人体：爱德华·斯泰肯早期油画般的摄影人体，阿尔弗莱德·斯蒂格利茨拍摄乔治亚·奥吉夫肖像的延伸，或者比尔·布兰特纪念碑样式的女性。的确，佩恩的人体是和传统艺术世界中的人体有着密切的关联，尤其是和欧洲的现代绘画和雕塑相关。这些影像让我们联想到古老的祖先那些丰腴的生殖偶像，以及后来的布兰库斯、马蒂斯（下图）以及米罗等超越了寻常分类空间的裸体。佩恩在这些如同催眠术般的影像中混杂着雕塑的体积、绘画的色彩和氛围以及肌理，还有图像艺术的线条和影调，成为以往任何一个时代的媒介都无法比拟的成功范例。让我们回到1949年的夏天，一旦当《时尚》的办公室和工作室有空闲时，佩恩就有一种拍摄自己私人作品的欲望。他想回到曾经对于他来说是炼狱的工作室，驰骋自己想象力的空间。也许他希望从时装模特儿高度严格和拘谨的服装和程式化的脸孔中解放出来，释放出自己灵魂的真正的声音。也许，对于一个男人来说，对女人的热爱胜过拍摄她们的裸体，服装仅仅是值得尊敬的欧洲传统给与女性的一层庇护而已。尽管佩恩曾经旅行过巴黎、那不勒斯、罗马、米兰以及弗洛伦萨等地，但是他并没有去过博物馆，并不知道波提切利、提香或者鲁本斯的荣耀，从而也没有崇敬的心理。但是他却熟悉更为后来一些的裸体创造者如阿普、布兰库斯、劳伦斯、摩尔以及马蒂斯和毕加索。这些30年代和40年代的纪念碑般的画像固然在他心中留下深刻的印象。佩恩在1949年夏天拍摄的这一系列的第一批画面，其人体形态完全不同于两年前他对于女性经典影像的表现。他开始让这些摆出姿势的女性所呈现的造型，更像他所拍摄的服装模特儿。尽管佩恩可能是无意识的，但是在他的第一幅画面中，人体模特儿还是相对苗条的，年轻的。他只是做一些探索，比如摆脱道具，研究双手、脚、背部脊椎以及尾骨的造型。由于道具不再存在，小巧的乳房也就失去了他所需要的雕塑体积感，身体的造型也开始呈现出不可思议的空间。然而这样稍微苗条的画面是符合杂志需要的，后来就出现在《时尚》中。可惜画面并没有引起人们太多的关注，因为这样的裸体也被认为“肥胖”而不入时尚。到了11月，他在印制了一些画面之后，倾向于更为华丽和丰腴，具有更为柔和的曲线，更明显的女人气质。而对于这些模特儿来说，她们在一般的理解中，更适合于绘画，而非摄影。这样的拍摄并非空穴来风——佩恩的气质就是他的艺术。其中最为明显的证据就是他的这些人体摄影，这些照片更接近他的心灵深处某种自然的体验。佩恩是在周末和假日完成这些裸体拍摄的，因为这时候他有时间。就像一个富有经验的垂钓者，操纵手中的鱼线，始终保持着一种信息的沟通和警觉。这是一种非常微妙的张力，介于他和模特儿之间。他安静地操纵手中的照相机，调节着三脚架。“在照相机变化的过程中，我从不会失去焦点。我不会让她迷失方向，甚至完全控制她的心灵。我们一直在谈话，显得非常投入，不仅使用语言，还包括各种低沉的咕噜声和呼吸的节奏，一直传输着令人愉快的氛围，直到达到最为完美的状态为止。”除此之外，整个房间是非常安静的。大部分时间就是摄影家俯身面对地板上的模特儿，照相机靠得非常近，往往只有两三英尺的距离——照相机是在一个小型三脚架上。摄影室中的氛围是“甜美的，粉状的，带着些微汗香。好极了。我们独自相处好几个小时。没有任何的身体的接触，除了最后结束时的拥抱。所有的女性都以相同的方式做出了回应”。在两个拍摄片段的转换过程中，佩恩会说：“如果你做一次深呼吸，然后抬起你的左臂，将会是什么感觉？”或者说：“如果你将身体向右转一下，展开你的后背，会有什么效果？”尽管这时候手臂或者头部可能并不在画框之中，但是佩恩知道模特儿在改变造型的过程中，其注意力不仅会将镜头的状态改变，同时还有“引向我们的发现，相互之间的发现；从而保持我们对身体的理解和接触。这也是一种暧昧的空间”。佩恩还补充说：“那时候，我还是一个单身汉。”这就对了——离开了欲望的人体摄影，固然可以创造出美丽的女神，但最终可能堕入简单的光影和形态之中，让人失望。就像我们在今天的杂志上所看到的千篇一律的婀娜多姿，反而倒了不知多少人的胃口。 1950年1月，佩恩计划了几个新的拍摄过程，每一个都有前后的关联，一直到最终完成为止。整个过程中的身体变化都可以看出相互之间的逻辑关系，尤其是整体上的感觉一直在延伸——佩恩就是这样地不断将他的模特儿转换出充满肉欲的新鲜感，似乎在鲁本斯之后很少有艺术家能达到这样的境界。这些模特儿在不断地、逐渐地扭曲和翻转的过程中，变成了一道起伏不定的风景。这些女性似乎懒洋洋地舒适地躺着，将自己的重量委身于地球的引力，就像是悬挂的果实。她们在无尽的时间和空间过程中延长着她们的瞬间形态，让我们在缓慢的过程中感知肉体的魅力。我们分享着摄影家曾经有过的迷恋，甚至让我们惊讶她们就是悬挂在伊甸园的果实——那时候还没有坠落。佩恩给我们带来的惊奇关键就是他的视点，不是因为什么震惊而仅仅就是简单，完全无视传统的审美习惯。他就是跟随自己的镜头不断追踪视觉的感受。他的照片似乎一幅紧接着一幅在转换着，最后又奇妙地融合成一个整体，和姿势无关，只是从一个位置到另外一个位置的瞬间过渡，使其变得鲜活，和以往所创造的裸体全无相似之处。那些被压缩的透视不是他的缺失，它们从本质上暗示佩恩照相机的存在，暗示佩恩的出场。就像马蒂斯一样，他常常就是留下外围的轮廓线，和佩恩一样对形体的偏爱。尽管可能缺胳膊少脑袋，但是给人的感觉却是完整的，就像几个世纪之前的古董，散发出独特的光芒。这些如同雕塑般的作品，不管它们的身份特征如何，都在扮演某一类女神的角色，因此和模特儿无关，仅仅就是代表了女性，这就够了。佩恩镜中世俗的人体已经有了五十多年的历史，理解其中的奥秘，我们是否还要再等五十年？

数码摄影论文

使用经验三大数码照片格式数码相机三大存储格式就是RAW、TIFF和JPEG，了解这三种格式的特点您才能够在拍摄时正确地选择存储格式。首先是高级数码相机支持的RAW图像格式，这是一种将数码相机感光元件成像后的图像数据直接存储的格式，不经过压缩也不会损伤数码照片的质量，而且由于存储的是感光元件的原始图像数据，以后您还可以对图像的正负两级的曝光调整、色阶曲线、白平衡、锐利度等参数进行调整；缺点是RAW需要特殊的软件来处理，同时在拍摄时，数码相机的液晶屏幕上只能看到RAW文件的专门为预览提供的JPEG副本，而且为了避免浪费存储空间，这个副本的压缩比大，图像质量比较差。这也是部分数码相机用户误以为RAW格式的效果比JPEG还差的原因。如果拍摄的数码照片是用于印刷出版，那么只有RAW和采用无损压缩格式的TIFF格式的照片的效果会比较理想。TIFF格式是目前大部分数码相机都支持的格式，其优点是质量好而且兼容性比RAW高，不会受到处理软件的限制，但TIFF格式的缺点也非常明显，那就是图像的文件大而且在存储时也需要更多的时间。 JPEG是三种格式中“体积”最小的，如果您追求更快的存储速度和更高的软件兼容性，那么JPEG是最好的选择。但需要注意，JPEG是一种有损压缩格式，也就是它在压缩的过程中丢掉了原始图像的部分数据，而且这些数据是无法恢复的。使用了数码变焦拍摄并存储为JPEG格式的照片，数码变焦的效果优于后期电脑软件的插值放大效果，而对于无损的TIFF或RAW格式图像而言，后期软件处理比数码变焦的效果要好一些。使用经验正确使用RAW格式高级数码相机支持使用RAW图像格式，但是不少用户都不太明白应该怎么去使用它。这种原始图像数据存储格式类似传统相机的数字底片，是专业摄影师的首选格式。如果您也想使用单反数码相机代替专业传统胶片相机，那么您也会需要这种能够最大限度地保留了成像时的各项细节和数据的图像格式。但要使用这种图像格式，需要专门的图像处理工具软件，RAW文件是CCD或CMOS感光部件在拍摄时所记录下的原始数据文件，是以一组8位或10位的二进制数据记录的数据，只反映照射到感光单元上光线的强度，本身并不包含色彩等直观的图像信息，而且它是和硬件密切相关的，不知道CCD或CMOS的感光单元行列排布、滤色镜排列等物理参数就无法将它转换成图像，所以处理RAW文件的图像处理工具还需要支持您的数码相机。一般情况下，推荐您首选数码相机厂商附送的软件，例如，如果您使用佳能公司的EOS 10D数码相机，可以选择该公司附送的RAW文件浏览器“File Viewer Utility”，这样就可以在电脑上浏览拍摄的照片，查看所有相关的相机设置。更为重要的是，它可以让您调整RAW格式的图像，包括正负两级的曝光调整、色阶曲线、白平衡、锐度等参数。另外，您也可以考虑使用Photoshop的数码相机RAW插件，该插件支持佳能、富士等多家数码相机厂商的数码相机。使用经验恢复误删的数码照片使用数码相机时，我们将数码照片存储在存储媒介上，常见的存储媒介有CF、SM、SD卡和记忆棒等。另外，我们还会将数码照片拷贝到电脑上，有时因为主观或者客观的种种原因，会出现误操作而将有用的照片或者其他数据文件误删除。此时，您大可不必捶胸顿足，无论是存储在存储卡上的还是拷贝到硬盘上的数码照片，误删除后大部分情况下都是可以恢复的。对于电脑上被误删除的数据可以恢复这一点，相信大多数比较熟悉电脑的用户都没有异议，但大部分用户都误以为存储卡上的数据是不一样的。实际上，数码相机都是遵循DCIM标准的，存储卡上的数据存储格式和操作方式都和电脑操作磁盘数据时一样。所以，基于磁盘等磁介质的数据恢复原理，从理论上讲，存储卡上的数码照片和已经拷贝到电脑上的数码照片一样，不但是可以恢复的，而且是很容易实现的。使用电脑上常用的数据恢复软件，例如Easy Recovery、Get Data Back、Final Data、R-Studio等，都可以轻易地恢复存储卡上的数码照片。使用经验拍摄时分辨率的影响分辨率越大，图像的精度越高，尽量使用高分辨率进行拍摄是许多数码相机用户的一种错误的认识。理论上讲，高分辨率可以获得高精度的图像，但数码照片要以图像文件的形式记录，随着分辨率的提高，图像文件也将增大，数码相机处理图像的时间随之增多。所以使用的分辨率越高，拍摄时需要的处理时间越多，拍摄时需要占用的存储空间也越大。使用数码相机拍摄时存储器件的容量是有限的，使用的分辨率越高所能拍摄的张数自然也就越少。另外，由于处理的时间长，在抓拍时使用过高的分辨率将有可能错过精彩的镜头。即使您不在意存储空间的浪费和处理时间的增加，分辨率的选择也应当以够用为限，否则当您做后期处理时，您会发现，用较高分辨率拍摄的图像利用软件缩小成低分辨率，与用较低分辨率直接拍摄的图像视觉效果几乎相同，而且后者的图像锐度似乎还会更好一些。使用经验拍摄时分辨率的选择目前，大多数数码相机都有几级分辨率可供选择，如何决定应该选择多大的拍摄分辨率呢？拍摄后的图像用途是影响需要选择哪一级别分辨率进行拍摄的主要原因。如果数码照片只是用于网页制作上，那么不需要太高的分辨率，如果只是在显示器上显示用，必须记住，图像像素和显示器显示设置存在相互对应的关系。所以若想让图像全屏显示到标准640×480像素的显示屏上，那么您需要的仅仅是一幅640×480像素的图像。如果屏幕显示设置为1280×960像素，那么640×480像素的图像只会占到屏幕的一半空间。不需要考虑每英寸的像素数目，显示器仅仅在意水平和垂直像素的数目。如果您的数码照片将用于打印输出，那么您需要记住，屏幕显示和打印、印刷输出是两回事，您需要了解两个词汇并记住它们之间的关系，图像分辨率是描述图像的总像素数(PPI)的，以PPI为单位。而决定图像输出质量的是图像的输出分辨率，描述的是设备输出图像时每英寸可产生的点数(DPI)，以DPI为单位。两者有联系但并不相等，“图像分辨率÷输出分辨率=图像输出尺寸”。以杂志印刷为例，输出分辨率最低要求为300 DPI，16开满版图片也就需要约3200×2400的分辨率。使用经验冲印尺寸与拍摄参数目前数码冲印系统可以为您提供小至1寸，大至16寸的10种不同规格的冲印服务，不同规格的冲印尺寸对数码照片有不同的要求。要得到好的照片，数码相机的有效像素最好在300万以上，同时，拍摄的数码照片分辨率也有一定要求。一般情况下，在数码冲印时有一个简单的计算方法，可以计算多大分辨率的数码照片合适冲印多大的照片，分辨率为1600×1200的数码照片，通过1600÷250 = 4四舍五入后为6的计算方法，计算出合适的冲印照片尺寸是6寸，那么您可以将6乘以250，就可以得出选择1600×1200的分辨率是比较合适的。要注意，不同数码相机的选择方法是不同的，大部分数码相机提供了比较详细的分辨率选项，但有的则只提供Large、Medium、Low三级选择，此时您需要参照数码相机的说明书等资料了解对应的分辨率大小。使用经验白平衡的使用在数码摄影中，要达到准确的色彩还原，解决相机不能正确识别各种不同性质的光源颜色的问题，必须正确设置白平衡。各厂家的数码相机既有自动进行白平衡的，也有手动进行的。自动白平衡虽然方便，但准确度有限，所以，现在的数码相机除了自动白平衡之外，还有日光、阴天、白炽灯、日光灯等多种预定义的白平衡。但即使如此，现实生活中光线条件是多种多样的，不同的数码相机，预定义的白平衡和自动白平衡的修正能力也是有限的。另外，在使用自动白平衡时还容易由于前一个景物的颜色特别偏向某一种颜色，引起之后的照片都偏向某一种色的问题。因此，在选购时，您最好选择具有手动白平衡功能的数码相机，给自己留下更多的调整空间。仔细观察，反复揣摩，熟练地使用白平衡功能将会拍摄出更优美的照片，给您带来意想不到的乐趣。不要太过于局限于专家或者传统的使用方法，例如佳能G2数码相机的用户大多按WB按钮切换到白平衡设置，选择最后一项的手动设置然后将镜头对着大面积的纯白色对象按下“*”按钮来设置白平衡。但事实上，我们可以按实际的需要进行设置，例如反向利用白平衡功能，这样不仅能够把晚霞拍摄得更红，而且还可以拍摄出像专业照片那样的摄影效果。使用经验测光方式的选择几乎目前所有的数码相机都采用TTL测光方式经过镜头来测光。透过镜头测光的好处是能够直接反射所见景物光线的大小，也就是光线经于镜头投射在感光元件上，感光元件再将光信号传送给数码相机的处理芯片作分析。另外，部分半专业或者专业数码相机还提供多种测光方式供用户选择，在选择测光方式时，您首先要弄明白这些测光方式的特点。目前，数码相机的测光方式有许多种，但实际上，可以将它们划分为平均测光、中央重点测光和点测光几种。平均测光就是把画面的所有光线强度的平均值作为测光数值，其特点是不考虑画面主体，对于光照比较平均的画面，测光比较准确，适合于光照均匀，没有强烈反差对比的场合。平均测光有多种数据采集和计算方法，例如佳能的“分区评价测光”方式，将画面分割成35部分作评价测光，实际上这也是平均测光的一种，但是能令计算结果更趋合理。中央重点测光是将画面中心及附近的画面按不同的加权系数进行计算得出的值作为测光数值，以中心的权数为最大，越接近画面边缘，权数越小。这是一种中庸的测光方式，既照顾到取景范围内整体的亮度，又考虑到摄影时的主体一般位于中央区域，适合主体比较突出又需要兼顾背景的场合。点测光是比较专业的测光方式，取画面中心占1%的面积作为测光区域。这是一种比较极端的测光方式，适合于光线复杂或光比强烈需要突出主体的场合，营造特殊艺术效果。使用经验感光度的设定 ISO(International Standards Organization)是制定工业标准的国际标准组织的简称。胶片相机工业标准中，ISO标准衡量胶片对光线敏感程度，数值越低，胶片的曝光感应速度越慢。数码相机中同样也采用ISO标准来衡量感光部件对光线的敏感程度，数值越大，感光部件越敏感。在传统相机中，您可以按需要的拍摄效果使用不同ISO标准的胶片来利用其不同的曝光感应速度。在数码相机中，您也可以通过调整ISO数值来设定改变感光部件的敏感程度。在数码相机上提高ISO数值也就是提高感光度，由于感光度的提高，数码相机的快门速度会比较快，拍摄起来也比较容易。但是需要注意，因此也会产生一些不良的影响，例如，因为感光部件感光不足而使光信号转换为电信号后的电流强度减弱，照片的阴暗部分或者单色区域噪声色斑现象会比较明显。如果您希望获得画面干净利索的照片，那么您或者可以考虑采用低ISO数值来拍摄。不过，不同的相机感光度的设定还需要您自己实际去体验，建议您在还没有了解相机的特性时，在拍摄时一级一级地升高感光度来进行测试。使用经验快门的控制技巧在摄影技术中，拍摄影像的最原始的质量来源于对曝光的控制。数码相机与传统相机一样，通过光圈和快门控制允许光线照射到感光元件或胶片上的量。其中，快门决定了拍摄影像的时间，其打开的时间就是根据设定的快门速度决定的。通常，相机的快门速度范围有4秒、2秒、1秒等多种。控制快门的技巧首先是要注意安全快门的时间，如果在快门打开期间，相机因不稳而产生晃动，则拍摄所得的影像就会变得模糊不清。这就是为什么在拍摄时要保持机身的稳定，也正是为什么快门速度过慢更容易使影像模糊的原因。因此，一般情况下，选择的快门速度要比安全快门速度快，安全快门=1/镜头的焦距。例如，镜头的焦距是50mm，安全快门就是1/50秒，即要选1/60秒以上的快门速度才可避免因拍摄时手部震动而造成影像模糊的问题。另外，在控制快门时，还需要特别注意快门的时滞问题。所谓快门时滞也就是按下快门和感光元件或胶片成像之间的时间，由于数码相机的快门时滞比传统相机长，只有顶级专业单镜头反光数码相机的快门时滞与传统相机相当，而绝大多数数码相机的时滞都是普通传统相机的2-3倍。如果使用液晶屏取景的话，时滞更加严重，时滞的时间虽然很短，但对于一个运动的物体来说，这便是很长的时间了，对于抓拍摄影，必然会错过最佳时机。而且不同相机的时滞都不同，您需要了解自己的相机，同时做大量的快速反应拍摄练习来避免时滞对您的影响。使用经验控制曝光量不论是传统相机还是数码相机，拍摄时控制曝光量都是影响照片效果的关键。要控制好曝光量，首先要记住快门速度、光圈和ISO感光度三者之间的关系，即快门速度提高一倍，镜头的通光量就会减少一半；光圈每增加一档，和快门速度提高一倍时一样，通光量也会减少一半；ISO感光度增加一倍，通光量即使减半也能够用同样曝光量曝光。如今大多数数码相机都配备了“曝光补偿”功能，将曝光补偿设置成+1档，就意味着快门速度减慢一半，或者光圈增大一倍。实际上，使用数码相机提供的预设模式时，相机会从光圈和快门速度两方面进行调节，以使通光量翻倍。一般情况下，可以由相机来测定整个画面的光线亮度，并确定最佳曝光量。但相机的智能是有限的，例如在拍摄雪景等以白色为主的对象时，数码相机本身就会错误地认为光量充足，并自动减小曝光量，这样拍摄到的画面就较暗。而拍摄大面积黑色对象时，相机同样会认为光线不足。要控制好曝光量，您需要具有曝光补偿的知识，这样才能拍摄到亮度和预想亮度一样的照片。在什么样的情况下，什么程度的补偿最合适，最终还是要由您本人的眼睛来掌握。这里无法给您一个准确的标准，但原则是，对于白色和高亮度区域多的对象应增加曝光补偿，黑色和昏暗的、区域广的对象，应减小曝光补偿。使用经验红外线拍摄效果除了一般的闪光灯外，其他光线也可以应用在摄影技术上，例如，红外线和紫外线等。红外线摄影技术不管是在业余或者是专业领域，都有相当多的讨论和应用。想体验一下，您可以在拍摄时应用大功率的红外线灯照射主体，也可以在其他电子发光装置上装一个红外滤光片，这样，红外线会直接打在主体上再反射回镜头成像，这样就可以实现红外线拍摄效果。但传统摄影必须依赖红外线专用底片，而且底片保存、冲洗与运送都是一件麻烦事，所以一般用户都比较缺乏这方面的经验。但数码相机由于硅材质的感光元件对红外线的波长敏感，拍摄红外线照片会比传统相机简单。另外，如果您的数码相机配备红外线辅助功能，例如SONY的F717，那么应用红外线摄影时，不仅能在微光的环境下继续操作拍摄生态写真，而且将之应用在风景摄影上也可创造出与众不同的特别效果，并且还可以有透视功能，但红外线的透视能力并不是100%。使用经验合理使用闪光灯闪光灯是非常便捷且适合当作补充光源的一种工具。但一般来说，强调自动化的数码相机并没有太强的闪光灯，充其量是把闪灯功能加以程序化，提供“自动”、“强制”、“防红眼”、“慢速”等设定。 “自动”模式下，相机会自动判断拍摄场景的光线是否充足。如果不足，就会自动在拍摄时打开闪光灯进行闪光，以弥补光线；“防红眼”模式先让闪光灯快速闪烁一次或数次，使人的瞳孔适应之后，再进行主要的闪光与拍摄，避免照片中人眼睛发红的问题；“强制”模式即不管在明亮或弱光的环境中，都开启闪光灯进行闪光，通常用在拍摄背对光源的人物；“慢速”模式会延迟数码相机的快门释放速度，以闪光灯照明前景，配合慢速快门，如1/5秒，为弱光背景曝光，能够拍摄出前后景均得到和谐曝光的照片。由于数码相机的智能程度有限，在不同设定下，闪光灯产生的效果很难确定，因此，要获得更好的拍摄效果，需要选购带手动功能的外接闪光灯的数码相机，通过人脑决定闪光灯的强度、大小、次数与频率，可以大大地增加摄影适用范围。一般，手动控制闪光灯需要进行大量的实践，因为使用的是数码相机，所以您可以多试拍几张以确定闪光灯的能量。需要注意的是，部分外接闪光灯使用低功率以减少光的输出时，色温会稍高。使用经验理解电脑屏幕的差异使用数码相机的用户大多都会使用电脑对照片进行处理，或者是在电脑上存储、浏览照片。但同时，由于在电脑屏幕上浏览照片的效果与实际输出的照片效果不相同而引起的烦恼也困扰着大部分用户。实际上，由于设备的不同，产生这种差异是非常正常的，您是否感觉到电脑上所呈现的影像比打印机输出的照片漂亮呢？显示器的分辨率只有72dpi，但显示出的影像却比720dpi甚至1440dpi的打印机结果还要好，其原因就在于，电脑屏幕上输出的色彩采用模拟方式，当影像能以连续色调显示时，就算分辨率不怎么高，影像仍很逼真。但用喷墨或是激光打印机输出时，影像是以墨点来构成的。打印机仅能控制有无墨点，却无法控制其深浅变化。而且印刷采用的分辨率与电子影像的分辨率不同，以目前的技术要让打印机以同样精确的墨滴进行打印是相当困难的。另外，还有许多类似的问题，例如，照片在数码相机上效果正常，但在电脑屏幕上看时却有点曝光不正常，这是由于数码相机的液晶显示和阴极射线式显示器的差异造成的，和打印机的问题一样是相当正常的。那么应该如何解决这些问题呢？要解决打印机的问题，首先需要您调整电脑屏幕的颜色，使之显示的颜色能够与打印机的一致，同时学会计算打印输出不同质量的图像时需要的精度(可参考上面介绍的“拍摄时分辨率的选择”)。而数码相机液晶显示的问题比较简单，您只需要使用Photoshop打开图像，使用“图像”菜单“调整”中的“色阶”查看一下，如果色阶平均，则说明照片曝光正常，应该调节显示器亮度，如果色阶右边有空白的区域，则说明照片曝光不足，有了依据您就可以做出调整。使用经验保护Exif摄影信息大部分数码相机都支持在照片上存储Exif摄影信息，这些摄影信息可以帮助我们方便地保存拍摄数据，在欣赏数码照片时，既可以回味拍摄时的感觉，还可以让我们总结拍摄经验，提高摄影水平。通过研读数码照片的摄影信息，比较同一主题的照片所采用的各种不同快门、光圈等相机设置和处理，我们可以更好地掌握拍摄此类照片时最佳的相机设置，从而提高自己的摄影水平。 Exif信息非常有用，但也很容易被破坏。如果您使用Windows XP的图像文件查看功能浏览您的数码照片，照片上的摄影信息将会被破坏。摄影信息就会被破坏，而且这些摄影信息一旦被破坏就无法恢复了。另外，大部分电脑用户都喜欢使用通用的图像浏览软件(如ACDSee)来浏览数码照片，但是，您需要特别注意的是，如果您使用ACDSee旋转照片或者改变数码照片的分辨率，数码照片的摄影信息也会被更改，因此，在选择和使用管理数码照片的软件时，您需要特别小心。如果您的数码相机厂商随机附赠处理和浏览数码照片的软件，您应该首先选择它们，例如佳能数码相机的ZoomBrowser EX、PhotoStitch等随机附送软件。维护保养数码相机固件升级我们需要不时地对电脑主板BIOS进行升级来获得更稳定的性能，数码相机也一样，通过固件(Firmware)的升级，可以提高系统的性能并改善其功能。数码相机的固件和电脑主板BIOS一样，是烧录在芯片上的。目前，大部分数码相机的固件采用了可擦写芯片，我们只需要利用一个简单的工具软件以及相应的数据，就可以对数码相机的固件进行升级。以佳能的PowerShot G2为例，您可以首先从佳能公司的网站上查看和下载升级用的固件软件包。解压缩后您就会获得一个“fir”文件，这个文件就是G2的最新固件程序。接下来把这个文件拷贝到您的G2相机的存储卡中。您可以先通过读卡器拷贝文件到存储卡上，然后再将卡插到相机上。也可以用USB数据线把电脑和相机连接起来，将相机的模式转盘选择到播放档，再运行固件升级软件包中的UPLOADFIRMWAREEXE就可以把文件传输到存储卡中。拷贝文件后，不需要连接电脑，将相机模式转盘保持在播放档，同时确保数码相机有充足的电力支持，可以考虑接上外接电源来保证足够的电能。打开可以在相机上调出播放档的菜单，选择菜单里多出来的“Firm Updated”选项，按下确认键，固件升级就开始执行了。约几十秒后，相机升级完毕，之后会伴随一声清脆的启动声音，液晶显示屏上会出现一个升级成功的提示“Updated already”，重新启动相机，整个固件升级工作就完成了。维护保养镜头的清洁技巧相机镜头是非常精密的部件，其表面做了防反射的涂层处理，一定要注意不能直接用手去摸，因为这样就会粘上油渍及指纹，这对涂层非常有害，而且对数码相机拍摄出来的照片质量影响也很要大。相机使用后，镜头多多少少也会沾上灰尘，最好的方法是用吹气球吹掉，或者是用软毛刷轻轻刷掉。如果吹不去也刷不掉，那就要使用专用的镜头布或者镜头纸轻轻擦拭，但要记住一个原则，那就是不到万不得已不要擦拭镜头。千万不要用纸巾等看似柔软的纸张来清洁镜头，这些纸张都包含有比较容易刮伤涂层的木质纸浆，一不小心会严重损害相机镜头上的易损涂层。在擦拭之前，要确保表面无可见的灰尘颗粒，以避免灰尘颗粒磨花镜头。擦拭时轻轻地沿着同一个方向擦拭，不要来回反复擦，以避免磨伤镜片。如果这样还是不行，市面上也有相机专用清洗液，但要注意，使用清洗液时，应该将清洗液沾在镜头纸上擦拭镜头，而不能够将清洗液直接滴在镜头上。另外，绝对不能随便使用其他化学物质擦拭镜头，而且只有在非常必要时才使用清洗液，平时注意盖上镜头盖和使用相机包，以减少清洗的次数，清洗液多少还是会对镜头有害而且有可能带来一些潮湿问题。维护保养液晶屏的保护彩色液晶显示屏是数码相机重要的特色部件，不但价格很贵，而且容易受到损伤，因此在使用过程中需要特别注意保护。首先要注意避免彩色液晶显示屏被硬物刮伤，彩色液晶显示屏的表面有的有保护膜，有的没有，没有保护膜的彩色液晶显示屏非常脆弱，任何刮伤，都会留下痕迹，您可以考虑使用掌上电脑屏幕使用的保护贴纸，这对保护彩色液晶显示屏有一定的作用。另外，要注意不要让彩色液晶显示屏表面受重物挤压，同时还要特别注意避免高温对彩色液晶显示屏的伤害，随着温度的升高，彩色液晶显示屏会变黑，达到一定的温度后，即使温度降到正常的状态，彩色液晶显示屏也无法恢复。而有些彩色液晶显示屏显示的亮度会随着温度的下降而降低，温度相当低时，液晶显示屏显示的亮度将会很低，一旦温度回升，亮度又将自动恢复正常，这属于正常现象。此外，彩色液晶显示屏的背后有一个无法从表面看到的灯，如果彩色液晶显示屏显示的影像变暗，或显示的影像上有斑斑点点，或根本就不能显示影像，多半是灯泡老化所致，遇到这种情况，一般只要更换相应的灯泡即可。如果彩色液晶显示屏表面脏了，清洁的方法可以参考清洁镜头的方法，清洁完后，应该用干燥的棉布擦干。维护保养存储卡的维护和保养对于数码摄影而言，存储卡在摄影过程中扮演着相当重要的角色。但是，由于存储卡的使用比较简单，经常会由于用户漫不经心地使用、处理而导致存储卡损坏。保护存储卡的首要原则是，永远只在数码相机已经关闭的情况下安装和取出存储卡。使用者常犯的错误是，急着要将储存卡从相机中取出，虽然电源已经关闭，但有些相机的储存速度较慢，或是图档较大要花较长的时间，相机也许看起来已经处于停止状态，但事实上，储存动作仍在继续，这时存到一半的档案毁了不说，还可能造成储存卡的永久毁损。因此，建议您关闭相机后等一会儿或注意相机的亮灯完全熄灭后再取出储存卡。其次，平时不要随意格式化存储卡，在使用相机格式化存储卡时，注意相机是否有足够的电量；在使用电脑格式化存储卡时，注意选择准确的格式。如果您使用Windows XP之类的操作系统，需要注意，系统格式化时，默认的FAT32格式是不正确的，一般数码相机都采用FAT格式。同时，还需要注意避免在高温、高湿度下使用和存放存储卡，不要将存储卡置于高温和直射阳光下。避免重压、弯曲、掉落、撞击等物理伤害，远离静电、磁场、液体和腐蚀性的物质。在拆卸存储卡时，避免触及存储卡的存储介质。如果长期使用后，存储卡插槽的接触点脏了，导致存储、读取信息的故障，这时您可以使用压缩空气去吹，而千万不要用小的棍棒伸进去擦，否则可能引起更大的问题。维护保养电池的使用和保养数码相机和传统相机不同，数码相机对电力的需求特别大。因此，锂电池和镍氢电池这些可重复使用且电量也较大的电池越来越受到数码相机用户的欢迎。但不论是锂电池还是镍氢电池，各种电池的使用、保存、携带都有很多要注意的地方。镍氢电池有记忆效应，这种效应会降低电池的总容量和使用时间。随着时间的推移，存储电荷会越来越少，电池也就会消耗得越来越快。因此，应该尽量将电力全部用完再充电。

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浅谈数码和传统摄影的优劣比较_dzsw-aspx

时装摄影论文

一、摄影文学是当代现实生活不可缺少的艺术形式。　　当历史进入21世纪以来，摄影文学因为社会的需要和人们的审美需要，迅猛发展起来。这有力地证明了摄影文学是当代现实生活不可缺少的艺术形式。我们从以下三方面可以看出摄影文学是当代现实生活迫切需要的艺术形式。　　旅游胜地的自然风光需要文化积淀，摄影文学可以促进这一进程的迅速完成。　　我国不少风景名胜如果缺少文化积淀，那么，其魅力就会大打折扣。人类的遗产包括自然遗产和文化遗产，有的地方是二者皆具，像泰山、武夷山、九寨沟等，既是自然遗产，也是文化遗产。缺乏任何一个方面，她们的魅力都会大大减弱。王夫之说“情景名为二，而实不可离。神于诗者，妙合无垠。巧者则有情中景，景中情。”因为二者如果在诗中实现真正的有机统一，那么诗的价值会成正比地随它的材料的增加而增加，所以景美和情美的有机融合要比单纯的景美或情美富有感染力。这是一种“复杂的美”，而“难美”和艺术上的“伟大”看起来是等同的。摄影文学无疑是可以增加自然景观的文化含量的。2002年11月8日，《文艺报·摄影文学导刊》推出了张家界风光专版《江山如此多娇》。可以说，在1980年以前，张家界无与论比的自然景观是养在深闺人未识。在著名画家吴冠中向世人揭开张家界神秘的面纱以后，随着人们的开发，张家界的容姿日益妖娆。而摄影文学将在一定的程度上促进张家界自然景观的文化积淀。也就是说，张家界在人们的审美观照中愈益摇曳多姿。她再不仅仅是单纯的自然风光，也有迷人的人文风光。　　没有实感的想象容易缥缈、空洞。　　莫·卡冈在《艺术形态学》中指出：“艺术作品首先作为某种物质结构——声音、体积、颜色斑点、词汇、动作的组合，也就是说，作为具有空间特征、或者时间特征、或者空间一时间特征的对象被创作出来，存在并出现在知觉面前。正因为如此，这种作品与人们承认它具有什么尺度的艺术价值、怎样解释它的内容这一点无关，甚至与根本是否知觉它、或者它埋藏在地下、储存在博物馆和图书馆里这一点无关。当然，不能把艺术作品归结为这种物质结构，但是，没有它、离开它、独立于它、不依赖于它，艺术作品就不会存在；艺术作品作为精神形成物蕴涵在这种结构中，处在这种结构中，不脱离于它，只有通过它才被感知。因此，艺术作品的物质结构方面是它的本体论状态，是它的现实存在的主要基础和条件，同时是它的直接的感性可感的面貌。”（见该书第278-9页）桑塔耶纳在《美感》中也说：“虽然一件衣服、一座大厦或一首诗的感性材料所提供的美多么次要，但是这种感性材料之存在是不可缺少的。”“假如雅典娜的神殿巴特农不是大理石筑成，王冠不是黄金制造，星星没有火光，它们将是平淡无力的东西。在这里，物质美对于感官有更大的吸引力，它刺激我们同时它的形式也是崇高的，它提高而且加强了我们的感情。如果我们的知觉要达到强烈锐敏的最高度，我们就需要这种刺激。举凡不是处处皆美的东西，绝不能销魂夺目。”（见该书第52页）莫·卡冈认为词汇是一种物质结构，但词汇的韵律和我们需要从文学作品所描写的自然美中感受的实感是两回事。为了追求这种实感，近几年来，不少文学经典图书配上了插图。鲍风在2002年10月30日的《长江日报》上对这种现象进行了扫描。他指出，今年2月，北岳文艺出版社出了两本书，即沈从文的《湘行散记》和《边城》。这两本书的出版，可以称为具有现代意识和现代特征的“图文并茂”的书真正出现的标志。这两本书的封面上均注有“插图本”三字，书有沈从文的生活照片和他描写的地区的风光绘画。在《边城》中，书中还有一幅幅饱含湘西风土人情和自然风光的摄影作品，摄影作品和小说情节发展互相映照，使“图”和“文”均成为“小说”的有机组成部分。在这本书中，“图”不再成为可有可无的装饰，而是共同完成着一种“文化旨向”的传播。在《湘行散记》中，不仅有黄永玉画的湘西风情水墨画，也有沈从文自己为自己的文章所画的插图。当时沈从文因母病还乡，每天写信向张兆和报告沿途见闻，并在信后附上插图，这些插图和信的内容相得益彰，融为一体。在插图本《边城》中，黄永玉用画，卓雅用摄影作品，“图说”小说内容，单纯地看一幅幅插图，可以感受到小说本身的那股浓得化不开的“氛围”。插图本《边城》和《湘行散记》图片虽是黑白的，但在书中构图不一，同样给人以丰富多彩的感觉。这种插图的确有助于人们身临其境。否则，文学描绘如何入神如画，也难以达到这种奇妙的效果。这种对实感的追求是当代社会人们追求全面发展的必然产物。可以说，摄影文学应运而生，比这更充分地开发了人们的全部潜能。　　有些摄影艺术作品没有文学描绘，很难展开它的丰富历史内容。　　有些摄影艺术作品只有插上了文学想象的翅膀，才能振翅高飞。黑格尔说：“同一句格言，从完全正确地理解了它的年轻人口中说出来时，总没有在阅历极深的成年人心中所具有的那种含义和广度，后者能够表达出这句格言所包含的全部力量。”又说：“老人讲的那些宗教信条，小孩也能说，可是对于老人来说，这些宗教信条包含着他的全部生活的意义。小孩也懂得宗教内容，可是对小孩来说，这种宗教内容的意义只是这样的东西，即全部生活和整个世界都还在它之外。”有些摄影艺术作品本来具有丰富的历史内容，但一般的人很难感受出来，而文学就可以对摄影艺术作品所具有的丰富历史内容进行去蔽和展示。例如，2002年4月19日，《文艺报·摄影文学导刊》发表了李希凡的一幅摄于1954年12月25日的照片，题为《在毛主席身边》。如果没有李希凡的回忆散文，那么人们是很难从这幅照片中捕捉更多的历史内容的。但是，这幅照片的确蕴含了很多很多难以忘怀的历史内容。当然，李希凡所配的散文绝不仅仅是这幅照片的解说、补充，而是相得益彰。因为李希凡在散文中表达了这幅照片所没有蕴含的东西。可以说，照片是过去的，散文是现在的。近半个世纪过去了，经历了多少人事苍桑，毛主席还活着，还活在人们的心中。这就是这篇摄影散文告诉我们的。摄影文学的内在构成成分的相互激活，不但展示了更为丰富的内容，而且极大地满足了人们的审美需要。　　二、摄影文学是人类艺术发展的必然产物。　　摄影文学作为一门新兴艺术，具有什么基本特征呢？对这个问题，我国不少学人从不同角度进行了深入的探讨，先后提出了“审美复合论”、“审美错位论”、“内爆论”、“螺旋结构论”和“互文论”等。这些对摄影文学的界定都丰富了人们对摄影文学的认识。　　起初，我们认识摄影文学是文学、摄影、编导、表演、美术等众多艺术的审美复合。“摄影文学不仅使摄影艺术突破了传统的纪实性，并冲出了时间空间的局限，使摄影艺术插上了理想的双翼，翱翔于艺术的太空，而且又把文学的艺术语言变成直观形象，把文学相象的描写变成可视的画面，使它既有美的视觉形象，又有精辟的语言艺术”。马龙潜在这个基础上提出了“审美复合论”。他说：“成东方先生所讲的‘审美复合’，是一个深刻的理论范畴。在这里，既讲了摄影文学所内含的各种美学、艺术因素相互间的关系，也讲了摄影文学与其它各种艺术门类、艺术形式之间的关系，又讲了摄影文学与历史时代、社会生活的关系，因此也可以说是一种审美关系复合论。在‘审美复合论’的整体结构中，其基础的层面是审美主客体关系的层面。”“在‘审美复合论’的审美主客体关系层面上，与美的复合结构相对应的是一个多种审美类型和审美心理形式相融合的审美意识复合结构，这是对摄影文学审美认识与审美价值相统一的本质特性的具体规定。这个结构包括自然美的审美、科学美的审美和自然美与科学美复合的文学艺术的审美。”其实，摄影文学有较复杂的一面，也有较简单的一面。刘纲纪认为摄影文学“还可更广泛地深入到社会生活的各个方面。例如，一个大学生、出租车司机、清洁工一天的生活，北京某个胡同的面貌，重要的文物古迹，科技的发明创新、时装表演，国家重大项目（如三峡工程）的建设，重大的政治外交活动，各地的自然风景、生态保护，老百姓在公园的锻炼健身、文化娱乐活动，各个社区的风光、建设，外国人在中国的生活，大的企业、商场、饭店的景观，格调健康、向上的各界演艺明星的生活，均可拍摄。我以为‘摄影文学’的‘文学’不必局限于传统意义上的‘纯文学’，可以和新闻报导、报告文学结合起来，尽可能贴近社会各界群众的日常生活。”他提出：“摄影与诗、散文的结合较易，困难的是如何以摄影表现小说的内容，找到这种表现特有的形式、规律，以区别于连环画，小说的插图，这问题我一直没想明白。”（见2002年5月10日《文艺报·摄影文学导刊》）对这个问题，人们作出了不同的探讨。有的倾向摄影艺术和文学艺术的有机结合，直接到现实生活中创作摄影小说，有的倾向摄影文学是文学、摄影、编导、表演、美术等众多艺术的审美复合，这较适于改编小说名著。这都是可以探索和尝试的。因此，我们不能一味地把简单的东西复杂化。“审美复合论”的确揭示了摄影文学的复杂的一面。但有些摄影诗，摄影散文的内在构成是非常单纯和简单的，这就不能用“审美复合论”去把握。　　王一川希望通过阐明摄影文学的摄影艺术和文学相互结合的缘由揭示摄影文学的特征。他分析了摄影文学的各种构成成分，认为：“摄影艺术和文学各有其得失。摄影艺术长于提供逼真而直接的视觉性，但在深入思维领域时却是间接的；而文学善于造成具体而生动的思维性，却在还原视觉效果上失于间接性。把两者孤立看，各自缺失是明显的：摄影艺术无法如文学那样提供具体而生动的思维性，而文学难以像摄影艺术那般呈现逼真而直接的视觉性。但是，如果把这两门各有得失的艺术相互‘匹配’走来，却可以获得相互开启和相互补足效果；摄影艺术的视觉性与文学的思维性相互开启即互启，展现出无与伦比的新优势；同时，前者恰好补足文学的视觉间接性，后者又补足摄影艺术的思维间接性，从而达到互补。而正是这种相互匹配产生的互启和互补效果，为摄影艺术与文学综合成为摄影文学，提供了必要而充足的缘由。于是我们就有了摄影文学这门新兴边缘艺术。它由照片和文学两部分相互匹配而成为一个整体。匹配，不是完全同一或完美融合，而是各自独立前提下的携手合作；也不是随意拼贴、凑合，而是要充分利用各自的优势达成互启互补的效果，由于产生这种互启和互补效果，摄影文学显示出新奇而强劲的表现力。”的确，这两种艺术各有优势各有局限，但这并不必然导致结合。同时，这种结合既可能增值，1+1＞2，也可能相互损害，1+1＜2。　　孙绍振在进一步地解剖了摄影文学的内在构成成分及其关系时提出了“审美错位论”。他说：“对于摄影文学的艺术价值，其摄影的质量自然是很重要的，但是其文字的质量却是更为关键的。它的首要条件就是摆脱被动，不能局限于对画面的说明；然而又不能完全脱离画面，这应该与画面保持一种错位，文字与画面应该是一种若即若离的关系，而不是被动依附的关系。这样才能构成一种情绪的张力场。当然，不能是抒情，直接抒情会导致滥情，它只能是一种叙述，但又是一种想象的索引。在叙事与情感的提示之间，在画面与文字之间保持一种错位性张力是摄影文学的生命之所在。”摄影文学的内在构成成分的关系不一定都是错位的。有时，它们可能是相互规定，相互阐发。这种关系很可能是互为比兴的。　　阎国忠认为：“摄影文学不同于过去的带插画的章回小说，带文学说明的连环画、卡通画，不同于传统的中国题诗画，这个不同就在于它是由摄影与文学结合构成的一个整体，而在这个整体中，摄影与文学又都具有相对的独立性。它们之间的关系是相互发现、相互阐释、相互擢升的对话性关系。摄影文学中的摄影与文学在创作过程中，总是一先一后，一个是直接面对生活或自然，一个则是面对已经完成的艺术品，这就是说，一个从生活或自然中去发现，并把它艺术地再现出来，一个从已有的发现中去再发现，从而把欣赏者的目光引导到某一个特定的视角上。当然，创作不会是一蹴而就的，很可能还要反馈回来，前一作品由后一作品的启发而又有新的发现，于是不得不作进一步的修改。”他提出了“螺旋结构论”。“摄影文学作为艺术整体不是平面结构，而是像遗传基因一样的螺旋结构。它们不仅在互相发现和互相阐释，而且在互相攀援和擢升。摄影中包含的诗意启迪着文字，文学中蕴孕的画面照示着摄影，当在摄影文学中碰撞在一起的时候，它们都因这种碰撞而净化了、升华了。它们既是自己，又不再是自己。”阎国忠认为摄影文学是一种螺旋结构很有道理，但他认为摄影文学中的摄影和文学在创作过程中总是一先一后不完全符合事实。摄影文学成为人人都可以创作的艺术形式，就因为它能够即兴创作。这种即兴创作不存在一先一后的情况。　　从上可以看出，人们对摄影文学的探讨虽不完善，但不同程度地揭示了摄影文学的一些本质特征，我们要在推动摄影文学的发展的基础上进行取舍和综合。　　钱钟书在《七缀集》中指出：“叶燮论诗文选本，曾慨叹说：‘名为“文选”，实则人选。’（《己畦集》卷三《选家说》）一般‘名为’文艺评论史也，‘实则’是《历代文艺界名人发言纪要》，人物个个有名气，言论常常无实质。倒是诗、词、随笔里，小说、戏曲里，乃至谣谚和训诂里，往往无意中三言两语，说出了精辟的见解，益人神智；把它们演绎出来，对文艺理论很有贡献。也许有人说，这些鸡零狗碎的东西不成气候，值不得搜采和表彰，充其量是孤立的、自发的偶见，够不上系统的、自觉的理论。不过，正因为零星琐屑的东西易被忽视和遗忘，就愈需要收拾和爱惜；自发的孤单见解是自觉的周密理论的根苗。再说，我们孜孜阅读的诗话、文论之类，未必都说得上有什么理论系统。更不妨回顾一下思想史罢。许多严密周全的思想和哲学系统经不起时间的推排销蚀，在整体上都垮塌了，但是它们的一些个别见解还为后世所采取而未失去时效。好比庞大的建筑物已遭破坏，住不得人、也唬不得人了，而构成它的一些木石砖瓦仍不失为可资利用的好材料。往往整个理论系统剩下来的有价值东西只是一些片段思想。脱离了系统而遗留的片段思想和萌发而未构成系统的片断思想，两者同样是零碎的。眼里只有长篇大论，瞧不起片言只语，甚至陶醉于数量，重视废话一吨，轻视微言一克，那是浅薄庸俗的看法——假使不是懒惰粗浮的借口。”狄德罗在《关于戏剧演员的诡论》中提出：演员必须自己内心冷静，才能惟妙惟肖地体现所扮角色的热烈情感，他先得学会不“动于中”，才能把角色的喜怒哀乐生动地“形于外”；譬如逼真表演剧中人的狂怒时，演员自己绝不认真冒火发疯。其实在十八世纪欧洲，这并非狄德罗一家之言，而且堂·吉诃德老早一语道破：“喜剧里最聪明的角色是傻呼呼的小丑，因为扮演傻角的决不是个傻子”。正如扮演狂怒的角色的决不是暴怒发狂的人。中国古代民间的大众智慧也觉察那个道理，简括为七字谚语：“先学无情后学戏”。钱钟书说：“狄德罗的理论使我们回过头来，对这句中国老话刮目相看，认识到它的深厚的义蕴；同时，这句中国老话也仿佛在十万八千里外给狄德罗以声援，我们因而认识到他那理论不是一个洋人的偏见和诡辩。这种回过头来另眼相看，正是黑格尔一再讲的认识过程的重要转折点：对习惯事物增进了理解，由‘识’转而为‘知’，从旧相识进而成真相知。我敢说，作为理论上的发现，那句俗话并不下于狄德罗的文章。”（见该书第33-5页）这就告诉我们，引进西方的各种先进理论，是为了更好地把握和认识客观世界，而不是管中窥豹，以一斑代替全豹。这是我们在探讨摄影文学的过程中需要注意的。　　其实，摄影文学的出现是艺术发展的必然产物。莫·卡冈在《艺术形态学》中深刻地把握了艺术世界界限的扩大和缩小的规律。他指出：“人类艺术发展的这些整合力以三种形式表现出来，这个过程中产生的艺术结合的三种不同方法可以称为聚集法、格局配合法和有机构成法。”（见该书第246页）聚集法就是不同艺术作品在某一段空间或时间中的机械联结，因此，所形成的聚集物的每个组成部分都同其它部分有着纯外在的联系，同时完全保存着自己的艺术独立性。例如，通常音乐会节目单上各种不同艺术的结合就是这样，这里一个节目跟在另一个节目的后面，另一个节目演完就演它，它以一种“三一律”同所有其它节目相联系，——地点的统一（音乐会的舞台），时间的统一（这场演出进行的时间），而代替情节统一的是统一的报幕员……另一个例证是各种各样的建筑物和雕刻纪念碑的聚集物。这里楼房和纪念碑相邻而立纯属偶然，人们对它们的知觉是独立地和相互隔绝地进行的，它们不能形成统一和完整的艺术格局。而当这样的格局被创造出来时，它的每一个组成部分所具有的已经不是绝对的，而只是相对的独立性：我们当然可以（在一定意义上说甚至是应该）逐个仔细观察普希金剧院的建筑和小广场上的叶卡捷琳娜二世的纪念碑，最后还有俄罗斯大街的背景，甚至连同它的每一个断面，但是这个复杂的格局的任何一个成分都要求我们将其置于同其它成分和整体的关系中，因为没有这个相互关系、节律的重复和明显的对峙的体系，它便不会把它的审美意义充分地展现在我们面前。同样，作为艺术整体而设计的音乐会的演出中，每一个节目都以发展的情节的逻辑同其它节目相联结，而且这样一来就被导演一总导演引入同前后节目的相互中介的体系中，成为某种“舞台格局”，其组成部分的独立性又已不是绝对的，而是相对的。这是格局配合法。艺术整体化的第三个方法是有机构成法，它表现在两种或几种艺术的互相融合产生性质上独特的和完整的新艺术结构，它的组成部分在其中融合得只有通过科学分析才能在空虚结构统一体中把它们区分开来。艺术创作基本形式的联系的这种方法为诸如大合唱曲所固有，在这种大合唱曲中诗文和旋律结合成一个不可分割的艺术统一体，或者为沙尔特尔斯基大教堂、西斯廷教堂、罗斯特拉圆柱类型的建筑一雕塑建筑物所固有，这里的艺术“组成部分”也同样牢不可分。离开建筑，著名的帕提侬神庙檐壁的结构简直不可理解，因为可以用内接的嵌入的山墙尖三角面的形式对它作出解释。　　不同艺术联系的第三种类型是有机构成，它有别于前两种类型，产生于特殊的原因，获得了特别重要的形态学意义，因为在这条道路上正在形成在质的方面独特的新艺术结构——艺术的新样式和新品种。摄影文学就是摄影艺术和文学艺术的有机构成。这种综合的条件首先是文字，然后是印刷术的发明；由于有了文字和印刷术，人们有可能把活的语言变为固定的空间的语言，换言之，有可能把口头语言变为书面语言，并以此为文本与徒刑和装饰的结合创造了条件。如果说在书籍艺术中造型和实用艺术是文学的庇护下进行综合的话，那么在漫画、讽刺画和宣传画中情况则相反；诗文与造型和实用艺术的结合中，起主要作用的是造型和实用艺术。而摄影文学中的文学不是摄影的注脚，摄影不是文学的图解，是二者的有机融合，它们构成一个既丰富又充满生命的审美意境。　　同时，摄影文学也是现代科技产物。莫·卡冈指出：“二十世纪产生了现代技术开辟的空间和时间的艺术联结的极为丰富的可能性，——我们只要提及电影和电视就足以说明问题；在新的技术基础上人们正在探寻着声音结构和非再现的颜色结构和立体一选型结构相结合的前所未有的方法（色彩音乐，动力学艺术）。”（见《艺术形态学》第252页）虽然摄影文学和中国古代题诗画有区别，但不能把摄影对现实的反映同绘画一书画刻印艺术对现实的再现绝对对立起来；这里的差别是相对的，而不是绝对的。可以说，没有现代科技照相术的出现，就没有摄影文学。因此，摄影文学既是人类艺术发展的必然产物，也是现代科技的产物。　　然而，莫·卡冈说：“空间结构和时间结构只有在一个条件下才能有机地结合在一起——完全从属于后者。”（同上）这个规律就不完全适合摄影文学。摄影文学的空间结构和时间结构更复杂，既有前者从属于后者的情况，如有些摄影报告文学、摄影小说，又有后者从属于前者的情况，如有些摄影诗等。　　三、人人成为创造艺术的主人。　　马克思恩格斯在《德意志意识形态》中指出：“当分工一出现之后，每个人就有了自己一定的特殊的活动范围，这个范围是强加于他的，他不能超出这个范围：他是一个猎人、渔夫或牧人，或者是一个批判的批判者，只要他不想失去生活资料，他就始终应该是这样的人。而在共产主义社会里，任何人都没有特定的活动范围，每个人都可以在任何部门内发展，社会调节着整个生产，因而使我有可能随我自己的心愿今天干这事，明天干那事，上午打猎，下午捕鱼，傍晚从事畜牧，晚饭后从事批判，但并不因此就使我成为一个猎人、渔夫、牧人或批判者。”马克思恩格斯这个理想不是反对分工本身，而是反对强迫分工。他们指出：“只要人们还处在自发地形成的社会中，也就是说，只要私人利益和公共利益之间还有分裂，也就是说，只要分工还不是出于自愿，而是自发的，那末人本身的活动对人说来就成为一种异己的、与他对立的力量，这种力量驱使着人，而不是人驾驭着这种力量。”（见《马克思恩格斯选集》第1卷第37-8页）　　可是，在历史的发展过程中，“‘人’类的才能的这种发展，虽然在开始时要靠牺牲多数的个人，甚至靠牺牲整个阶段，但最终会克服这种对抗，而同每个人的发展相一致；因此，个性的比较高度的发展，只有以牺牲个人的历史过程为代价。”（转引自《回到中国悲剧》第93页）正如莫·卡冈指出，古代艺术混合性的解体保证了艺术创作不同方法的独立存在，同时具有积极的和消极的审美后果。具有积极的后果是因为，这里同在物质文化和精神文化的所有其它领域中一样，劳动分工是互相隔绝的并成为狭窄专业化的活动形式进步发展和完善的必要条件。但同时为获得任何成果都必须付出昂贵的代价，从古代混合的线团中抽出一些单根线来的历史过程也具有明显的消极后果。巨大的成就会变成同样严重的损失，即混合创作所具有的艺术反映生活的多面性和圆满程度的丧失：须知，艺术掌握世界的不同方法的结合能够使描述的内容得到来自不同方向的光辉的照射，能够摹拟主、客体联系的各个方面，创造多维的“大容量”的形象，而不是单方面的、似乎只在一个语言、音乐或舞蹈等平面上展开的形象。　　在历史上，艺术创造往往成为极少数人垄断的领域。当然，在艺术这种发展过程中，基层民众也进行了艺术创造，只是这种艺术创造还处在自发阶段，没有上升到自觉阶段。这是因为历史条件的限制。　　瓦·本杰明在《机械复制时代的艺术作品》中指出：“机械复制在世界上开天辟地第一次把艺术作品从它对仪式的寄生性的依附中解放出来了。”“复制技术把被复制的对象从传统下解脱出来，它制造了许许多多的复制品，用众多的摹本代替了独一无二的存在。”（见《西方马克思主义美学文选》第243-7页）在机械复制时代，艺术作品成为人人都可以欣赏的对象，再不是极少数人垄断的对象。人人成为欣赏艺术的主人。摄影文学的出现，标志着人人都可以成为创造艺术的主人。当前，民谣和民歌的广泛流行，虽然形式相当粗糙，甚至有的有些粗鄙，但是因为有些民谣和民歌较为真实地反映了历史的一些真实的东西，酣畅淋漓地抒发了人们的某些思想感情，至少减缓和减轻了人们的某些压力和郁闷。所以这种粗糙的艺术形式成为了当今大众狂欢的形式。随着人们的物质和文化生活水平的不断提高，尤其是随着照相机走进千家万户，人们将会主动地创作摄影文学，摄影文学将成为人们喜爱的创作形式。只是有的保存下来，发表出来，成为共享的对象。有的仅仅以个人独享的形式出现。　　其实，不同的人对人生、对家庭、对历史、对社会都有比较独特的感悟，只不过这些感悟比较零散而已。这些感悟以摄影文学的形式反映出来，就相当完整了，就构成了一部艺术作品。可以说，单独的摄影难以表现富有韵味的内容，单独的思想感情的感悟也难以构成完整的文学作品，只有这两者的有机结合，才能形成艺术作品。例如，2002年3月29日，《文艺报·摄影文学导刊》发表的金开诚的《西湖漫步》。“万众寻春挤满山，游人佳景两难堪。西湖最好无名处，风自清新月自闲。”金开诚在《西湖漫步》中无一处写“我”，但无一处不是写“我”。可以说，这个“西湖”既是风景名胜西湖，也是文化名人金开诚。这首《西湖漫步》的诗和金开诚这个文化名人结合起来，产生了远远超出诗本身的丰富意蕴，具有味外之旨。这种艺术形式的创作相当灵活、自由。它的出现标志着人人将成为艺术创造的主人。

呵呵~~你问的应该是学校作业吧~~哈哈~~，我们刚学完这个，这是我上回做商业广告摄影的基础调查论文，你看看适不适合你。我把它都复制下来，你就从中截取适合你的吧！　　所谓商业摄影，是以市场为核心的摄影。进入商业摄影领域，是对自己摄影水平、审美趣味和观念的挑战，是充满汗水的艰辛之路，也更容易获得成就感和丰厚的回报。　　商业摄影分为：　　*食品摄影：糕点类、菜肴类、饮料类、蔬果类　　*室内摄影：局势陈设、展览布置、工厂车间　　*建筑摄影：现代建筑、古典建筑、社区环境　　*服装摄影：鞋帽类、时装类、游泳类　　*大型机械摄影：汽车类、飞机类、船舶类　　*商业风光摄影：各种地貌、季节、气候　　*商业人物摄影：各种性别、年龄、职业　　*商业静物摄影：玻璃器皿、金属制品等　　而且，商业摄影对拍摄的内容要求：　　传达必要的信息，说明广告的主题　　广告中的摄影能够引人注目　　在拍摄广告画面是选择合适的目标读者能够提高广告的功效　　影像处使读者对错传达的信息产生深刻的印象　　在当今社会的时代发展，随着社会的进步，作品仍要注意时代感　　首先，时尚性　　时尚可以认为是市场经济的核心之一，是消费者消费行为的一条首选原则。因此，各种商品的生产厂商，尤其服装、文化类产品生产、提供商，更是自觉地以时尚原则来引导消费者，培育市场。脱离时尚的商业摄影，如果没有让反时尚成为一种时尚的实力，就很难找到生存的空间。　　商业摄影中有很大的一块其实就是时尚摄影，最典型的是面向时尚杂志的图片摄影和影楼人像摄影。时尚杂志的读者是以都市白领为代表的时尚群体，杂志的图片必然追逐当下最流行的审美情趣，来满足读者的口味。对一个时尚摄影师而言，最重要的或许不在于纯粹技巧上的高人一筹，而在于对流行时尚的敏感，在于把自己的审美偏好、拍摄观念与流行元素密切结合。　　不管是婚礼婚纱还是艺术人像，影楼人像摄影的风格或许是所有摄影类别中变化最剧烈的。因为对流行风格的追赶，因为影楼行业相当可观的市场与利益空间，引来更多行业媒体、组织培训机构、行业协会的参与，给摄影师提供了丰富的训练与协作机会，也在一定程度上提高了影楼摄影作品的流行品位。婚纱影楼摄影曾经被认为是存在暴利的行业，但实际证明，在这个领域，谁能站在流行时尚的前沿，以顾客乐于接受的花样翻新引导时尚，谁就有可能获得最高的利润，而如果步步跟在人后，或许就只能勉强维持。　　人像摄影行业由于大众媒体的参与，给商业摄影提供了一个不错的范例：就是让摄影师本人成为流行元素。大众媒体凭借其广泛的读者基础，与权威组织合作进行摄影师评选，所推出的优秀摄影师在得到消费者认可后，本身就成为流行时尚的依据——他拍摄的就是时尚和高水平的，做到了摄影师与流行时尚的良性互动，极大的提高了商业摄影的含金量。　　即使在最能体现摄影师个性的图片摄影方面，时尚仍然表现了极大的威力。流行杂志的定位相对来说更是以读者偏好为依据，而随着社会生活方式的变化、生活质量的提高，以及新一代人的加入，以及主要来自欧美的外来影响等等，读者的审美水平、趣味也会因此改变。中国流行时尚杂志从初期的以服装类为主发展到今天包括影视动漫、旅游地理、商务财经等多方面，对图片的需求本身就在急剧扩大，而因应不同种类杂志及其读者的口味，更要求图片在切合流行时尚的基础上具有鲜明的创意风格。　　广告摄影看起来不是直接为时尚服务，它的目的是推广一种观念、推销一种产品，因而必须有打动人心的力量才能发挥预期的作用。而打动人心的手段之一，就是使用流行元素，让这些为受众所熟悉、所接受的东西成为沟通消费者与产品或服务的桥梁。　　其次，创意性　　商业摄影毫无疑问是属于创意产业的范畴。关于创意，不同的人可能会有不同的理解，但对于商业摄影而言，其动因在于为摄影产业注入创造力，过程则在于从内容到形式的全面创新。商业摄影要求照片能够在第一时间吸引受众的眼球，具有打动人心的力量，达到深入人心的效果，独特的创意效果成为出奇制胜的基本手段。　　在产品广告摄影的初级阶段，对摄影师的要求可能是把产品拍“清楚”就可以了，但是在已经成熟并且竞争日趋激烈的广告市场，广告摄影师要取得生存发展空间，非得有一两手“绝招”不可。广告摄影行业对创意的重视，在于众多广告摄影师提出了“设计摄影”概念，把广告摄影与广告创意、平面设计、影视创意设计结合在一起。从“设计摄影”的角度出发，按下快门这一基本“摄影”动作已经不再重要，重要的在于按下快门前根据商家的理念、自己对产品的认识、对产品传播方式的了解、对消费者心理和接受水平、审美趣味的把握，制定成熟的创意方案，精心摆布摄影画面，恰当应用颜色、线条、质感、明暗等摄影语言，创作出令商家满意、消费者乐于接受甚至激励消费者热情的广告摄影作品。　　一般地说，图片摄影师因为其服务对象不同，相对产品广告摄影师更能在摄影创作中充分显示自己的个性，作品也更具创意色彩。目前，中国拥有相当数量的职业或半职业图片摄影师，几乎涉及所有拍摄题材。但是，对图片摄影师来说，同样的题材，可能会采用完全不同的处理方式。比如风景，有人追求明信片式的明媚艳丽，有人追求在景物中注入人类的忧伤或欣喜情绪，有人追求非常极致的唯美效果。除了时尚书籍杂志的插图，图片摄影最重视的是人文和画意摄影创作。由于数码摄影极大地降低了摄影的门槛，更多非职业摄影者进入图片摄影领域，通过摄影充分展现自己的个性和观念，追求更高品位的成就感；数码摄影也给图片摄影带来了更多创意手段，尤其是艺术、唯美类图片，数码后期处理几乎比拍摄更为重要。　　一些国际知名图片摄影大师对创意的重视，还表现在对于与造型师、创意策划者的合作要求，认为创新且富有激情的创意策划文案、精美的灯光与景物造型设计是获得优秀作品的基础。在婚纱人像摄影领域，追求完美的创意一直是推动流行、形成时尚的核心因素之一。当然，各地大大小小、不同层次的影楼简直是不可计数，不可能要求每一个摄影师、化妆造型师都具有很高的创意水平，一般都是通过购买样板照片来采用已经存在的高水平创意成果。从另一个角度说，具有高水平创意的影楼就能够“得风气之先”，引领时尚，在竞争中立于不败之地。　　再次，艺术感　　摄影创作具有非常鲜明的艺术创作特色，最突出的表现，除了对形象思维的强调，是高度重视创新与个性。对一个图片摄影师来说，他可能会发现，创新与个性是同一事物的两个方面，他在摄影创作中尊重自己的个性，因此拍摄了具有创新意义的作品。对不同的人来说，商业摄影是不一样的，它可能是在影楼为了谋生的打工，可能是必须绝对听从客户意见的某些广告拍摄，可能是在人生路上随心所欲的拍摄自己喜欢的东西，因为对摄影、对生活的热爱拍出了富有激情的照片被图片公司或报刊杂志看中……因此，学习商业摄影，不需要任何顾虑，不需要任何预设的前提或条件。这是一个神奇的世界，也是一个任何人都可能进入的世界。　　当然，除了需具备以上条件以外，对摄影器材也有严格的要求，尽管在摄影玩家中确实有不少人只是以拥有最先进的摄影器材、掌握各种摄影技术为荣，但技术绝对不是商业摄影的目的，然而，商业摄影，尤其是它的主要组成部分产品广告摄影对器材和技术可能是最苛求的。　　当然，这是因为产品广告摄影的服务对象——广告商对图像质量提出了苛刻要求。广告图片不管是发布在大型户外媒介，还是发布在报纸杂志，图像质量越高，显然越能够表现产品的细节，越能够给受众留下深刻、严谨、乃至于“高科技”之类的印象，越能够取得好的广告效果。因此，对一个商业摄影师来说，如果缺乏基本的技术，所谓时尚、创意等等，可能就成了无本之木。在数码时代，产品广告摄影对器材的苛求表现在大型广告摄影公司都会购买对普通摄影者来说可谓天价的数码后背，一般的摄影工作室也会尽量配备120数码相机或顶级135数码相机。而对于技术的强调，除了拍摄时充分的创意准备、严谨的构图、精确的曝光与色温控制，还表现在对后期处理的高度重视。一般来说，一个拥有中等业务的摄影师，会为自己配备一个或多个数码后期专业人员。成熟的商业摄影师，只要条件许可，都会自己学习PHOTOSHOP之类电脑影像处理技术，以充分发挥自己的拍摄创意水平。　　下面来分析一下市面上各种常见的相机：　　*单反数码相机就是指单镜头反光数码相机，即Digital数码、Single单独、Lens镜头、Reflex反光的英文缩写DSLR。成像质量优秀是很多消费者青睐DSLR的第一理由。DSLR的镜头可以根据拍摄主题来确定使用何种镜头，可以更换。而消费级相机的镜头无法更换，并且镜头质量比DSLR的镜头要差得多。　　*卡片相机在业界内没有明确的概念，仅指那些小巧的外形、相对较轻的机身以及超薄时尚的设计是衡量此类数码相机的主要标准。其中索尼T系列、奥林巴斯AZ1和卡西欧Z系列等都应划分于这一领域。　　卡片数码相机可以不算累赘地被随身携带；而在正式场合把它们放进西服口袋里也不会坠得外衣变形；女士们的小手包再也不难找到空间挤下它们；在其他场合把相机塞到牛仔裤口袋或者干脆挂在脖子上也是可以接受的。虽然它们功能并不强大，但是最基本的曝光补偿功能还是超薄数码相机的标准配置，再加上区域或者点测光模式，这些小东西在有时候还是能够完成一些摄影创作。　　ps：卡片机是出家旅行必备良机。　　* 广角相机也没有明确的概念，甚至有没有这么一种相机本人也不太清楚。我想你指的应该是配有广角镜头的相机。而广角镜头是指一种视野较为开阔的镜头。　　举个比较夸张的例子你可能就明白了：鱼眼镜头是广角镜头中比较特殊的一种，它是一种极端的广角镜头，即广角镜头中的广角镜头，“鱼眼镜头”是它的俗称。一种焦距极短并且视角接近或等于180°的镜头。　　这为近距离拍摄大范围景物创造了条件：鱼眼镜头在接近被摄物拍摄时能造成非常强烈的透视效果，强调被摄物近大远小的对比，使所摄画面具有一种震撼人心的感染力；鱼眼镜头具有相当长的景深，有利于表现照片的长景深效果。　　因为鱼眼镜头属于广角镜头，所以广角镜头拥有刚才我说的鱼眼镜头的所有特点，只是鱼眼镜头的特点更为夸张一些。至于广角相机应该就是指带有这些镜头的相机吧-_-||　　*长焦相机，就是配有长焦镜头的相机。长焦镜头全称长焦距镜头，是指比标准镜头的焦距长的摄影镜头。长焦距镜头分为普通远摄镜头和超远摄镜头两类。普通远摄镜头的焦距长度接近标准镜头，而超远摄镜头的焦距却远远大于标准镜头。以135照相机为例，其镜头焦距从85毫米— 300毫米的摄影镜头为普通远摄镜头，300毫米以上的为超远摄镜头。　　总之，通俗的说，和你眼睛看到的东西一般大小一般多的镜头，是标准镜头。比你眼睛看得东西多但是小的镜头，是广角镜头。比你眼睛看得东西少但是大的镜头，是长焦镜头。