艺术与商业的关系毕业论文

不是所有商业化的艺术都是艺术 ，不能把所有的创作都统称为艺术，为了盈利而诞生的艺术，首先他的出发点是为了获取利益，满足市场，虽然称之为艺术，但在更本上与单纯的艺术相差甚远，在创作目的上没有可比性。商业化的艺术有自身存在的价值，不是所有作平都可以成为艺术，也不是所有艺术都可以被商业化，在这样一个关系中，可以看作一个优胜劣汰，适者生存的过程，毕竟现如今的社会不是所有人都能读懂艺术，想要存活并被人了解，社会化是唯一的捷径，但不是唯一的途径！

要说的是，艺术与商业并非水火不容，它们是互惠互利，你中有我，我中有你的关系。首先艺术商业化，指的便是艺术的流通。其中包括艺术品流通，艺术家流通，艺术观念流通和艺术机构活动流通。艺术品在流通过程中，必定会增加其受众量，这也就为它本身的传承提供了更多可能。比如18世纪中期的欧洲音乐逐渐商业化，从海顿到莫扎特等作品，大部分都是当时各大音乐厅和各种组织的私人委约作品。正是这样，才使音乐成为一种平民化的娱乐活动，使无数乐谱流通和传承，避免了将音乐家的作品陷于无人问津的境地。

作品的艺术性与商业性就是指作品的价值与价格。作品的艺术性决定了其商业价值，而商业性也对艺术性产生了巨大的反作用，二者都在市场经济中受到不断冲击。

艺术与商业并非水火不容它们是互惠互利你中有我，我中有你的关系。首先艺术商业化，指的便是艺术的流通。其中包括艺术品流通，艺术家流通，艺术观念流通和艺术机构活动流通。艺术品在流通过程中，必定会增加其受众量，这也就为它本身的传承提供了更多可能。比如18世纪中期的欧洲音乐逐渐商业化，从海顿到莫扎特等作品，大部分都是当时各大音乐厅和各种组织的私人委约作品。正是这样，才使音乐成为一种平民化的娱乐活动，使无数乐谱流通和传承，避免了将音乐家的作品陷于无人问津的境地。艺术虽然承载着人类文明最辉煌的一面，但它本身并不能作为物质满足人们的根本需求。因此艺术家也需要融入商业社会，混得基本的口粮才能维持创作。艺术同商业的融合，让普通人通过商业化的艺术接触到当代艺术，也是拉近大众和艺术之间的距离的最佳方式。商业为艺术和大众架起一道沟通的桥梁。日本艺术家村上隆将日本漫画借由商业传递到世界各个角落，他同奢侈品牌lv的合作，为lv设计了一整套视觉形象系统，让樱花包成为经典。同样的，中国艺术家岳敏君也是如此，把艺术做成产业，再用商业推广自己。对于艺术家来说，这是一个双赢的合作。这种特殊的合作方式为他们实现了深度的多向互动，通过“公共化”而实现了其作品和个人价值的扩大和增长。艺术品是精神产品，不仅具有价值，还具有使用价值。一般来说，人们收入的提高与受教育程度呈正相关关系，经济的发展在客观上刺激了人们对艺术品的需求和渴望，而市场恰恰可以满足人们对艺术品个性化的要求。各类艺术中，最容易同大众产生关系的便是公众艺术。而公众艺术通常也同商业共同成长。以美国艺术家Kurt Perschke的作品为例。他在世界各地不同城市安放一个15英尺的红球，每个特定的位置只持续一天，成为“世界上运行时间最长的街头艺术品”。受到众多媒体的报道和艺术机构的关注。它的存在不但为大众的生活增添一抹丰富的色彩，也为相应团体和艺术家本身带来了经济效益。谈到艺术和商业的问题，还有个无法忽略的人就是美国波普艺术家安迪沃霍尔。20世纪50年代，他敏锐地感知到了当时美国消费社会的状态，用丝网印刷的方式，复制了如玛丽莲梦露和金宝罐头等商业形象，获得了巨大成功，开创了波普艺术的时代。在《沃霍尔的哲学》一书中，这样说道“赚钱是一种艺术、工作也是一种艺术、最赚钱的买卖是最佳的艺术。”1992年，艺术批评家吕澎就提出“艺术走向市场”的口号。但艺术如何走向市场，还是一个难题。与其说艺术受到商业的影响，倒不如说艺术引导商业，才是正常的行为。拿开启了工业设计先河的设计师雷蒙德罗维来举个例子。他同美国汽车制造商合作，设计了车型细的节油型汽车；同冰点冰箱合作，做了内部调整，奠定了现代冰箱的基础；还承接产品包装和企业设计，小到邮票、口红、可乐瓶子都有他的创意。纽约时报干脆称他为，塑造了现代世界形象的人。罗维将设计美学融入到现代生活的每个细节中，这样的艺术，才能有效地转化成商业。写在最后：艺术如今必然是和商业挂钩的，没有资金运作，艺术根本无法得到传播。如果艺术完全脱离商业价值，那艺术都无法养活自己，那艺术何以成为职业呢？艺术是不是应该以商业价值为唯一取向，就值得商榷了。尽管如此，也只说这是以艺术性为取向的艺术，那是以商业性为取向的艺术。但艺术市场的独特性在于，反而往往是以艺术性为取向的作品，具有更高的商业价值。

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